“Amanhã” olha para o passado, o presente, o efeito do tempo e as questões sociais

Novo documentário de Mauro Pimentel tem como cenário a a Barragem Santa Lúcia, em Belo Horizonte
(Fotos: Gabriela Matos e Arquivo Pessoal)

Eduardo Jr.

Chega aos cinemas nesta quinta-feira (29) o novo documentário de Marcos Pimentel. Batizado “Amanhã”, o longa coloca, no mesmo plano, crianças de classes sociais distintas, capturando alguns de seus desejos para o futuro, e retorna 20 anos depois para acompanhar como essas personagens estão vivendo. A obra é produzida pela Tempero Filmes, com distribuição da Descoloniza Filmes.  

O início do filme não diz ao espectador o que esperar. O ano é 2002 e crianças brincam em um cenário conhecido dos belorizontinos: a Barragem Santa Lúcia. O lago e a praça de esportes parecem atuar como fronteira, separando um bairro de classe média de uma favela.

Quando se mudou para Belo Horizonte, no ano 2000, Pimentel se impressionou ao perceber que, embora vizinhos, moradores de um lado dificilmente atravessavam para o outro. Mas a convite do diretor, morro e asfalto se aproximaram. O pequeno Tomaz é o personagem que sai do apartamento pra brincar com Julia e Cristian, dois irmãos que vivem no morro.

O material, gravado em 2002, é apresentado às mães das crianças duas décadas depois. E aí o documentário começa a mostrar a que veio. As memórias e opiniões dessas mulheres e das crianças, agora crescidas, expõem como o abismo social, não percebido na infância, se escancara. E não só porque eles se tornaram adultos, mas porque o país mudou.

O próprio diretor, em uma de suas narrações, exemplifica isso ao expor a percepção de que a camisa da seleção brasileira, festejada na Copa de 2002, se tornou símbolo da discórdia duas décadas depois. Até a ausência de uma das personagens é posicionamento. 

E a maneira como esses elementos são dispostos no longa vão levando o público a refletir sobre diversas pautas do cotidiano, de consciência política à urbanização.

Um filme sensível sobre encontros, desencontros, mazelas sociais e o efeito do tempo. Talvez por isso, o documentário tenha sido exibido em competição no É Tudo Verdade, recebido Menção Honrosa no 5º Pirenópolis Doc e premiado no 27º FAM - Florianópolis Audiovisual Mercosul.  

Ficha Técnica:

Direção: Marcos Pimentel
Depoimentos/Imagens de Arquivo: Cristian de Miranda, Cristiana Santos, Júlia Maria
Produção: Tempero Filmes
Distribuição: Descoloniza Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h46
Classificação: 12 anos
País: Brasil
Gênero: documentário

"Ferrari", um recorte na vida do homem por trás da escuderia

Adam Driver interpreta o criador de uma das maiores marcas de veículos de luxo do mundo e sua obsessão
por velocidade (Fotos: Lorenzo Sisti)

Maristela Bretas

Um homem arrogante, com obsessão por corridas, velocidade e vitórias, que criou uma das maiores marcas de veículos de luxo do mundo. Esta é a história que está sendo contada em "Ferrari", filme que estreia nesta quinta-feira nos cinemas.

Ambientado na virada da década de 1950, o longa tem uma narrativa lenta, focada num recorte da vida de Enzo Ferrari (interpretado por Adam Driver), que é quebrada apenas pelas cenas de corridas, acidentes espetaculares e as brigas dele com a esposa Laura (Penélope Cruz). Foi ela que ajudou o famoso Commendadore a construir o império que revolucionou a indústria automotiva, ajudando a criar o conceito das corridas de Fórmula 1.

A cinebiografia, dirigida por Michael Mann (um apaixonado pela marca e diretor também de "Ford X Ferrari" - 2019), foca mais na vida pessoal de Enzo Ferrari, sua relação com a esposa e a amante de longos anos, Lina Lardi, papel de Shailene Woodley e a obsessão por  carros caros e velozes que o deixam à beira da falência.

Um dos pontos negativos do filme é o sotaque italiano sofrível de Adam Drive (para quem for assistir o filme legendado), repetindo um erro cometido em "Casa Gucci" (2021). O ator apresenta o criador da famosa marca italiana automotiva como um homem extremamente exigente quanto à qualidade de seus carros, mas nem tanto com a vida dos pilotos, e que não admitia qualquer tipo de erro de sua equipe. 

Até mesmo nas tragédias, o Enzo Ferrari do filme aparentava frieza. Os poucos momentos de ternura acontecem quando se lembra do filho falecido, Dino. Mesmo com suas mulheres, ele se mostra uma pessoa metódica e controladora, agindo como um empresário comandando seus funcionários. Pessoas que conheceram o verdadeiro Enzo Ferrari e viram o filme comentaram em matérias na imprensa que ele não era desta forma.

Apesar de Adam Driver ser o protagonista, a grande estrela do filme é Penélope Cruz. A atuação da atriz dá gás e vida à trama fora das pistas de corrida, mostrando garra e presença forte, especialmente quando enfrenta o marido sobre suas decisões erradas que ameaçam a empresa. 

É ela quem controla com mãos de ferro as finanças da Ferrari, enquanto sofre com a morte do filho, o casamento de fachada, as traições e a solidão de uma vida a dois.  

Shailene Woodley é Lina Lardi, a amante de Enzo. A atriz tem uma atuação dentro do esperado, um pouco apagada, como a de sua personagem, mantida em "segredo" pelo Commendadore. Lina é a mãe do segundo filho dele - Piero, que foi reconhecido anos depois. Hoje ele é acionista e ocupa a vice-presidência da multinacional Ferrari. 

Outro que tem papel decisivo na história, mesmo sendo colocado em segundo plano, é o brasileiro Gabriel Leone ("Eduardo e Mônica" - 2020). Ele vive o jovem marquês milionário e piloto espanhol Alfonso De Portago, contratado para correr pela Ferrari na corrida Mille Migla, no Norte da Itália, em 1957. 

Michael Mann empregou muito CGI nas imagens de disputas da época e nos acidentes (algumas cenas chegam a chocar). No entanto, Adam Drive não teve permissão para dirigir nenhum dos carros clássicos originais de corrida da Ferrari usados nas filmagens por causa do seguro. 

O diretor também reproduziu a cena do beijo dado por Alfonso de Portago em sua namorada Linda Christian (papel de Sarah Gadon) em uma das paradas da corrida Mille Miglia. A foto ficou conhecida como "O Beijo da Morte".

Já Patrick Dempsey (da série "Gray's Anatomy"), que além de ator é piloto de corridas, conseguiu dirigir algumas réplicas da Ferrari no filme. Ele interpreta o piloto da escuderia, Piero Taruffi. No elenco contamos também com Derek Hill (filho do falecido piloto e campeão de Fórmula 1 pela Ferrari, Phill Hill), no papel do piloto da Maserati, Jean Behra. Outro que faz papel de corredor é Jack O'Connell, como o britânico Peter Collins, entre outros.

"Ferrari" também tem como pontos positivos a fotografia, as locações (especialmente onde ocorrem as corridas), figurino e maquiagem. Mas o desenrolar, apesar de ser apenas um recorte da vida do empresário, pode não agradar aos amantes de corridas., que esperam ver grandes competições.

Diferente de outras cinebiografias do gênero, como "Rush: No Limite da Velocidade" - 2013, sobre a rivalidade entre os pilotos Niki Lauda e James Hunt (pode ser conferido na Netflix); o recente "Gran Turismo" - 2023, que conta a vida do jogador de videogame que virou piloto, Jann Mardenborough (HBO Max) e até "Ford X Ferrari", sobre a disputa entre as duas grandes marcas para provar quem era melhor nas pistas (Star+).

Ficha técnica

Direção: Michael Mann
Produção: STX Films
Distribuição: Diamond Films
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h10
Classificação: 16 anos
País: EUA
Gêneros: ação, cinebiografia

1ª Semana do Cinema de 2024 acontece de 22 a 28 de fevereiro, com ingressos a R$ 12,00

Da Redação

Depois do sucesso da campanha Semana do Cinema em 2023, que em três edições levou mais de 10 milhões de pessoas para a frente das telonas, é dada a largada para mais uma semana recheada de filmes por apenas R$ 12,00. A primeira Semana do Cinema de 2024 acontece em todo o país a partir da próxima quinta-feira (22) e os preços especiais vão até o dia 28. 

Além dos ingressos com preço único promocional, os combos com pipoca e refrigerante também terão valores diferenciados. A campanha é idealizada pela Federação Nacional das Empresas Exibidoras Cinematográficas (Feneec), com apoio da Associação Brasileira das Empresas Exibidoras Cinematográficas Operadoras de Multiplex (Abraplex). 

Todas as unidades da Rede Cineart em Minas vão participar da promoção,  válida para as sessões nas salas tradicionais 2D. A programação será variada, com terror, musical, comédia, romance, drama, entre outros gêneros, com longas nacionais e internacionais e títulos que prometem agradar todos os tipos de público. 

Entre as produções estão os candidatos ao Oscar 2024: “Pobres Criaturas”, “O Menino e a Garça”, “Zona de Interesse”, “Wish: O Poder dos Desejos”, "A Cor Púrpura" e “Dias Perfeitos”. Durante a campanha, o público também poderá assistir aos filmes “Bob Marley: One Love”, “Madame Teia”, “Masha e o Urso: Diversão em Dobro”, “Todos Menos Você”, “Aquaman 2”, “Nosso Lar 2: Os Mensageiros”, "Argylle: O Superespião", “Baghead: A Bruxa dos Mortos”, “Ferrari”, “Zona de Risco”, “Garra de Ferro”, "O Jogo da Morte", “Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – To The Hashira Training” e “Minha Irmã e Eu”. .

“Em 2023 tivemos uma adesão muito importante e pretendemos repetir a dose ao longo deste ano. Essa é a quarta edição do evento, que tem como foco principal celebrar a presença do público e democratizar ainda mais o acesso à magia que só a experiência cinematográfica proporciona. É a grande diversão dos brasileiros de todas as idades”, salienta Lúcio Otoni, presidente da Feneec. 

Cinemas da Rede Cineart vão participar da promoção

Um levantamento feito pela Agência Nacional de Cinema (Ancine) apontou que houve um aumento de 17% no número de pessoas nas salas em 2023, em comparação com 2022. Por isso, a iniciativa, que segue uma tendência mundial de promover, em clima de festa, a experiência cinematográfica, se torna ainda mais relevante. 

“Vamos celebrar a magia do cinema, movimentar as salas de todo o país e garantir ainda mais oportunidades de entretenimento para todos os brasileiros”, comemora Marcos Barros, presidente da Abraplex. 

Para checar os horários dos filmes e os preços especiais que os exibidores prepararam para os combos, basta acessar os sites de vendas de ingresso ou diretamente o portal do seu cinema favorito. 

Serviço
“Semana do Cinema”
Exibição: Em todos os cinemas associados à Abraplex e outros participantes
Data: de 22 a 28 de fevereiro
Locais: Todas as sessões em sala tradicional 2D
Preço dos ingressos: R$ 12,00

"A Cor Púrpura" acerta no elenco, mas é inconstante

Musical é um remake adaptado da obra literária de Alice Walker, como na peça da Broadway de 2005 (Fotos: Warner Bros. Pictures)

Larissa Figueiredo

Baseado no livro homônimo de Alice Walker, "A Cor Púrpura" ("The Color Purple") conta a história de famílias afro-americanas na Geórgia durante o século XX. O musical, em cartaz nos cinemas, nos apresenta Celie, uma jovem negra de 14 anos que encontra conforto em meio ao sofrimento da pobreza e racismo na companhia de Nettie (Halle Bailey, de "A Pequena Sereia" - 2023), sua irmã mais nova e melhor amiga.  

Em certo dia, Celie (interpretada por Fantasia Barrino na fase adulta) é trocada por uma vaca e alguns ovos e entregue a Albert (Colman Domingo, de "Rustin" - 2023) um homem grosseiro da cidade. Enquanto isso, Nettie, exausta dos avanços sexuais do pai e do novo marido da irmã, foge prometendo manter contato por carta com Celie. É por meio dessas correspondências que a história se desenrola.

Com direção de Blitz Bazawule, o remake de "A Cor Púrpura" tem uma grandiosa equipe de produtores, que inclui Steven Spielberg, diretor da primeira versão de 1985, que não era musical e foi indicada a 11 Oscars sem, no entanto, ter recebido nenhum. O filme pode ser conferido na HBO Max.

Também na produção estão Quincy Jones (um dos produtores do primeiro filme), Oprah Winfrey, que participou do longa há quase 40 anos no papel de Sofia (agora interpretada por Danielle Brooks, que concorre ao Oscar como Melhor Atriz Coadjuvante) e Scott Sanders.

O elenco, totalmente negro (excelente escolha) conta ainda com Taraji P. Henson ("Estrelas Além do Tempo" - 2017), como a cantora Shug Avery; Corey Hawkins ("Infiltrado na Klan" - 2018); Aunjanue Ellis ("King Richard: Criando Campeãs" - 2021), Louis Gossett Jr. e até mesmo Whoopi Goldberg, que faz uma ponta como parteira e interpretou Celle no longa de 1985. Os cantores H.E.R. e Jon Batiste também participam do time.

Além de retratar abusos e sofrimento, o filme explora a redescoberta da vida e a poderosa união entre mulheres, tanto na ligação entre as irmãs quanto na importância que Shug e Sofia vão representar na vida de Celle.

Embora permaneça fiel à obra literária de Alice Walker, o musical adota a estrutura da peça adaptada para a Broadway em 2005, organizando a produção em blocos que combinam diálogos, canções, diversas coreografias. Conta também com as participações de Fantasia Barrino e Danielle Brooks repetindo seus papéis.

As performances musicais parecem interromper o ritmo do filme, que se apresenta inconstante e com falhas na edição e montagem. Apesar disso, o musical impacta pelo visual e pela força da interpretação de seus atores, que possuem grande potência vocal e é o destaque do longa. 

Os figurinos e a ambientação também são pontos positivos e fortalecem a obra. Inevitável a comparação entre as duas versões cinematográficas.

Ficha técnica:

Direção: Blitz Bazawule
Produção: Warner Bros. Pictures, Amblin Entertainment, SGS Productions, Harpo Films
Distribuição: Warner Bros. Pictures
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h20
Classificação: 14 anos
País: EUA
Gêneros: musical, drama

"Baghead: A Bruxa dos Mortos" decepciona em todos os quesitos

Terror de quase 90 minutos não assusta e deixa o estrago para  entidade maligna tentar consertar
(Fotos: Imagem Films)

Maristela Bretas

Apesar de a produtora Vertigo Entertainment ser a mesma de ótimos filmes de terror como "It: A Coisa" (2017) e "Noites Brutais" (2022), "Baghead: A Bruxa dos Mortos" deixa muito a desejar. O susto é quase zero e a duração de quase 90 minutos é sofrida e não se justifica para um roteiro com diálogos fracos e mal desenvolvidos que atrapalham até mesmo a atuação do elenco. 

Tudo se passa quando a jovem Íris Lark (Freya Allan, da série "The Witcher") herda um antigo bar que pertenceu a seu pai, Owen Lark (Peter Mullan), que teve uma morte violenta dentro do casarão onde ele morava e funcionava o bar. Mal ela assina a escritura e se torna dona do local, descobre que o porão abriga uma entidade capaz de incorporar os mortos.

Íris conta com sua melhor amiga Katie (Ruby Barker) para tentar explorar os poderes da criatura ajudando pessoas desesperadas em troca de dinheiro - dois mil dólares por dois minutos com a criatura. 

O primeiro a aparecer é o misterioso Neil (Jeremy Irvine). Mas elas vão descobrir que Baghead não pode ser controlada e precisa ser destruída antes que mate todos e escape do porão.

A estratégia do diretor Alberto Corredor de usar flashbacks em histórias passadas para explicar o surgimento da entidade maligna confunde e leva o público a perder o fio da meada. O final é previsível, sem reviravoltas e o elenco não tem nomes de destaque. 

Cabe a Baghead (Anne Müller) segurar a trama, se é que isso é possível. Um ponto positivo é a máscara da entidade, realmente assustadora. Na verdade, o único susto do filme é quando ela aparece sem o capuz. 

O filme é repleto de clichês já desgastados. Incomoda ver diretores de filmes de terror insistirem em situações mais que batidas para causarem pânico ou medo.  Como os ambientes escuros e sombrios onde as entidades do mal habitam. 

Há também das cenas das pessoas entrando e até dormindo nesses lugares, mesmo após serem atacadas ou sabendo que ele é amaldiçoado. Não faltam as repetitivas luzes apagando e acendendo, quadros que caem das paredes, ruídos atrás das portas ao som de uma música para criar um clima, que, de tão mal utilizadas não criam mais suspense. 

Em "Baghead" não é diferente. São poucas as cenas a céu aberto, apenas o tempo de sair do casarão e entrar em outro prédio, também escuro. O espectador fica sem saber o que está acontecendo no ambiente, cria apenas confusão. Os cortes são bruscos e não geram o suspense esperado em muitas cenas. 

Uma pena que "Baghead: A Bruxa dos Mortos" tenha ficado muito aquém do esperado. Infelizmente não foi uma boa estreia de Alberto Corredor como diretor. Boa sorte para quem for conferir no cinema.

Ficha técnica:

Direção: Alberto Corredor
Produção: StudioCanal, Vertigo Entertainment
Distribuição: Imagem Films
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h35
Classificação: 14 anos
País: EUA
Gêneros: terror, suspense

“Moneyboys” aborda prostituição masculina e drama particular

Filme dialoga com temas universais enquanto tenta emocionar público (Fotos: Pandora Filmes/Divulgação)

Eduardo Jr.

Chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (8) o longa “Moneyboys”. Distribuído pela Pandora Filmes, o trabalho do diretor e roteirista chinês C.B Yi é de 2021. Já foi exibido em Cannes e só agora desembarca por aqui. E nele, um jovem que vive da prostituição carrega o preconceito da família, marcas de uma situação do passado e um desejo de recomeço. 

O filme se abre como um curta. O jovem Fei (Kai Ko) é recebido em um apartamento por Xiaolai (J.C. Lin), de roupas extravagantes, que já esperava por ele. O espectador até imagina que os dois vão se relacionar, mas, na verdade, os jovens estão ali para um programa a três com um cliente. Está dada a tônica do filme: há mais do que se imagina ou se vê.       

Vindo de um vilarejo, o inocente Fei se envolve com o já experiente ex-namorado. No entanto, a falta de maldade e de maturidade coloca o jovem em uma situação de risco. Apaixonado, Xiaolai toma uma atitude pra defender o namorado, que será crucial para o filme. 

A partir dali uma câmera nervosa, enquadramentos muito planejadinhos (em cenários falsos em demasia) e tons de lilás e vermelho acompanham a angústia de uma vida sem afeto e marcada pelo preconceito. E só então se tem o nome do filme na tela, como se um curta-metragem marcasse o ponto de partida da história. 

Mesmo sendo uma produção oriental, algumas abordagens são muito familiares a nossa cultura. Por exemplo, a violência associada à prostituição, a hipocrisia da família do protagonista, que aceita o dinheiro de Fei, mas não sua orientação sexual nem seu estilo de vida, o falso moralismo e a necessidade de manter as aparências perante a sociedade. 

Tais impressões podem sugerir um drama emotivo, ou talvez mais quente, mas este é um longa sem arroubos. E parece até haver dois filmes dentro de um só, quando um conhecido de Fei, Long (Bai Yu Fan) decide também sair do vilarejo e ir atrás dele na cidade. O foco da obra vai se direcionando mais para a entrada do novato no mundo da prostituição do que para a busca por soluções pelo protagonista. 

Mas o resgate da trama acontece, quando o passado vai ressurgindo e Fei precisa fechar algumas feridas, enxergar que vive de dar um afeto comprado aos clientes sem conseguir desfrutar de amor próprio ou envolvimentos sentimentais. 

O sentimento, inclusive, foi um dos propulsores do diretor para realizar o filme. De nacionalidade chinesa, C. B. Yi passou a adolescência na Áustria. Fez questão de ambientar sua história na China rural, falando da migração para a cidade, porque não conseguiria colocar as situações da trama em cidades europeias sem o mesmo contexto de violência. 

Direção 

Se o diretor se apoia nas lembranças e na ligação de décadas atrás com o país de nascença, é justamente a conexão com o passado que falta ao roteiro e ao protagonista. Não se sabe quando ou por que Fei saiu do seu vilarejo, ou quem é o cafetão responsável por agenciar os garotos de programa. 

Sem um passado, sem a família, amigos nem amores, o protagonista tem lembranças de alegrias recentes (mas a tentativa de evocar um flashback falha na execução técnica, com uma viagem ao passado que não tem cara de lembrança). Filme que pode ocupar o tempo, mas não deixa saudade. 

Ficha Técnica:
Direção e roteiro: C. B. Yi
Produção: Panache Productions, Arte France Cinéma, Zorba Production, KGP Kranzelbinder Gabriele Production
Exibição: nos cinemas
Duração: 2 horas
Classificação: 14 anos
Países: Taiwan, Áustria, França, Bélgica
Gênero: drama

“Wish - O Poder dos Desejos” homenageia 100 anos da Disney com uma história de sonhos

Asha é a jovem e determinada protagonista que luta para que as pessoas possam realizar seus desejos
(Fotos: Walt Disney)

Marcos Tadeu
Narrativa Cinematográfica

Desde a sua estreia nos cinemas no início deste ano, o longa “Wish: O Poder dos Desejos” deixou claro que foi criado para homenagear e reverenciar os 100 anos da Walt Disney Company (completados em 16 de outubro de 2023). A animação instiga o público a acreditar que é possível realizar seus desejos. 

Na história somos transportados para Rosas, um reino mágico comandado pelo Rei Magnífico, um feiticeiro responsável por guardar e realizar os desejos das pessoas. Mas só quando são de seu interesse e não provoquem revoluções ou questionamentos.

A voz original do rei feiticeiro é de Chris Pine, de "Dungeons & Dragons: Honra Entre Rebeldes" (2023), que também interpreta as músicas. Já a versão brasileira foi entregue a Raphael Rossatto, dublador do herói Peter Quill, de "Guardiões da Galáxia" (2014 a 2023) e Kristoff, de "Frozen" (2013 e 2020), que faz seu primeiro vilão.

Conhecemos Asha (voz de Ariana DeBose, do filme "Argylle - O Superespião" e dublagem de Luci Salutes), que tem a chance de se tornar aprendiz do feiticeiro, mas descobre que ele só quer acumular os desejos para si e não tem a intenção de realizar os sonhos da protagonista e das pessoas do reino.

São inúmeras as referências no longa a sucessos e personagens da Disney como Branca de Neve e o espelho mágico, Peter Pan, Sininho, Pinóquio, Meu Irmão Urso, Bambi, Procurando Nemo, A Bela e a Fera, Rapunzel, Pocahontas e dezenas de outros conhecidos.  

Até mesmo a música-tema dos filmes da Disney é lembrada, assim como o símbolo de abertura das animações do estúdio, com seus fogos. Tudo isso acontece dentro do Reino de Rosas, criando um show de easter eggs para os fãs das produções do centenário estúdio. 

Um ponto positivo, juntamente com a bela trilha sonora entregue a David Metzger, com canções compostas por Julia Michaels e Benjamin Rice. O álbum completo da trilha sonora de "Wish" em português já está nas principais plataformas de streaming pela Universal Music.

Os destaques vão para Asha, uma jovem negra e determinada de 17 anos, que luta para que os desejos cheguem às pessoas e que elas possam realizá-los. 

Em um momento de preocupação, ela faz um apaixonado pedido ao céu e é atendida por uma bola de energia ilimitada chamada de Estrela. Juntas elas vão enfrentar o rei feiticeiro, uma criatura gananciosa e agressiva cujo verdadeiro propósito é fazer com que tudo gire em torno dele.

Como em toda boa história da Disney temos a magia como destaque, tanto a encantadora quanto a ruim, a chamada "magia negra", que já foi tabu no Brasil anos atrás na casa do Mickey. Não contarei mais para que você fique ligado na história.

O que deixa a desejar é que nenhum animal coadjuvante de "Wish" tem o brilho ou carisma de outros criados pela Disney, como o macaquinho Abu ("Aladdin"), o alienígena Stitch ("Lilo & Stitch"), o pássaro Zazu ("Rei Leão"), ou o Grilo Falante ("Pinóquio").  

O personagem da nova animação, a cabra Valentino (voz de Alan Tudyk, com dublagem em português do humorista Marcelo Adnet) parece mais um alívio cômico do que um verdadeiro companheiro da protagonista.

“Wish: O Poder dos Desejos” é uma história que incentiva a sonhar. Foi lindo ver como a criançada viveu as reviravoltas em uma sessão cheia, com aplausos e gritos de satisfação. 

No entanto, a produção perde ao ser comparada a animações anteriores do estúdio e não é forte o suficiente para representar os 100 anos da Disney. De toda forma, vale a pena conferir.

Ficha técnica:

Direção: Chris Buck e Fawn Veerasunthorn
Produção: Walt Disney Animation Studios
Distribuição: Walt Disney Studios BR
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h42
Classificação: Livre
País: EUA
Gêneros: fantasia, família, aventura

Premiado e emocionante, “Os Rejeitados” talvez seja apenas mais um conto de Natal

Elenco é formado pelo irretocável triângulo de atores Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph e o estreante Dominic Sessa (Fotos: Focus Features/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Esta não é a primeira vez – e certamente não será a última – que um filme trata da relação conflituosa/amorosa entre professor e aluno. Desde o inesquecível “Ao Mestre, com Carinho” (1967) até o cult “Sociedade dos Poetas Mortos” (1989), para citar apenas dois, o poder transformador do afeto na educação é tema recorrente e, quase sempre, de muito sucesso no cinema. 

Pois esse é o caso de “Os Rejeitados”, que conquistou prêmios no Globo de Ouro, Critics Choice Award e de Melhor Filme do Ano na AFI, além de ser um dos indicados ao Oscar de 2024 como Melhor Filme. O longa pode ser conferido nas salas do Una Cine Belas Artes e do Centro Cultural Unimed BH-Minas.

Uma das diferenças do longa dirigido por Alexander Payne é que, além da dupla professor irascível e/ou paciente versus aluno rebelde, há uma terceira figura que ajuda a elevar a emoção do espectador enquanto a trama avança. 

E o terceiro vértice desse triângulo, formado por Paul Giamatti como o mestre odiado Paul Hunham, e Dominic Sessa como o adolescente problemático Angus Tully, é a carismática Da’Vine Joy Randolph, que ilumina as cenas como a cozinheira Mary Lamb.

A história: em algum ano da década de 1970, num internato aristocrático próximo a Boston, um professor caolho e pedante de História Antiga é obrigado a passar as festas de fim de ano tomando conta do aluno rebelde Angus Tully, meio esquecido pela família. 

A cozinheira negra e gorda Mary Lamb também sobra na instituição naquela data talvez por não ter para onde ir. Detalhe: além de solitária, ela está de luto pela perda de um filho.

No fundo, “Os Rejeitados” não passa de um conto de Natal, que parece ter sido feito para emocionar. Estão em cena a solidão, os presentes, a carência, a neve, a família – ou a falta dela – os drinques, as reconciliações e, principalmente, a solidariedade. 

Mas o mérito dessa comédia dramática está, certamente, na atuação do trio principal. Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph e o estreante Dominic Sessa estão impagáveis e irretocáveis.

Outra marca do longa é a melancolia – e não só pelo Natal, ausências etc. A trilha sonora, remetendo invariavelmente aos anos de 1970, provoca arrepios nos espectadores mais maduros, assim como a única referência, meio velada e com jeito de “por acaso”, da Guerra do Vietnã, marco indelével daquela década: a morte do filho de Mary Lamb aos 20 anos. Um negro.

É inegável que “Os Rejeitados” (originalmente “The Holdovers”) exala compaixão e empatia e provoca os melhores sentimentos no público. Mas, da metade do longa para o final, não é difícil prever o rumo da história. Fica, no finalzinho, uma incômoda sensação de déjà vu.

Ficha técnica:

Direção: Alexander Payne
Produção: Focus Features Pictures
Distribuição: Universal Pictures
Exibição: sala 3 do Una Cine Belas Artes (sessão das 20 horas) e sala 2 do Centro Cultural Unimed BH-Minas (sessão 10h40)
Duração: 2h14
Classificação: 16 anos
País: EUA
Gêneros: drama, comédia

"Argylle - O Superespião", um filme de muita ação, reviravoltas e boatos nas redes sociais

Longa conta com ótimo elenco e entrega doses de humor, romance e até sedução (Fotos: Universal Pictures)

Maristela Bretas

O diretor Matthew Vaughn não economizou nos efeitos visuais, na pancadaria e, menos ainda, no orçamento (US$ 200 milhões) para entregar o filme de "Argylle - O Superespião" ("Argylle"). O longa está em cartaz nos cinemas e, em breve, no canal da Apple TV+, que é a produtora.

Com muita ação, reviravoltas e ótima trilha sonora, a produção ainda conta com um atrativo para atrair público. Boatos polêmicos na internet, recheados de pistas bem "imaginativas", dão conta de que a misteriosa escritora Elly Conway, cujo livro homônimo deu origem ao filme, seria o pseudônimo usado pela cantora Taylor Swift para lançar a obra literária. 

Não são poucas as "teorias da conspiração" criadas pelos fãs nas redes sociais, que incluem semelhança de com personagens, roupas e objetos da famosa cantora. Sobrou até para o coitado do gato que, na verdade, pertence à esposa do diretor.  

Outro ponto que chama atenção em "Argylle" são as cenas mais "calientes", na abertura do filme, entre o Superman, Henry Cavill, e a bela Dua Lipa, ao som do grande sucesso "My First, My Last, My Everything", na voz do inesquecível Barry White. Nada como um helicóptero para criar um clima. Quem assistir vai entender.

Dua Lipa, agora loira, está em seu segundo filme (o primeiro foi uma rápida aparição em "Barbie"). Ela entrega uma interpretação bem convincente como a espiã LaGrange que seduz o espião Argylle (Cavill, que já fez papel semelhante em "Missão Impossível: Efeito Fallout" - 2018 e "O Agente da U.N.C.L.E." em 2015.

"Argylle" é divertido apesar de longo (2h20), cheio de reviravoltas, com um elenco de peso e explorando vários gêneros cinematográficos. Além de muito tiro, porrada e bomba, o público ainda recebe doses de comédia e até romance. 

O longa é baseado na obra homônima da escritora norte-americana Elly Conway. No filme, Elly (interpretada por Bryce Dallas Howard, da saga "Jurassic World" de 2015 a 2022) é uma renomada autora que ficou conhecida por uma série de romances de espionagem sobre o agente Argylle. 

Partindo para o quinto livro, Elly passa a ter dificuldade em dar sequência à trama de seu sua personagem. Ela sai em busca de inspiração e acaba sendo envolvida no mundo da espionagem que ela só conhecia de sua imaginação. A escritora se torna a peça-chave ao guardar informações que interessam a duas organizações secretas. 

Para solucionar o problema, ela vai contar com a ajuda do espião Aiden Wilde (Sam Rockwell, de "Três Anúncios Para um Crime" - 2018) e de seu fiel companheiro, o gato Alfie. Difícil para ela será separar seu mundo de ficção do real.

As cenas de ação predominam, mas a comédia inserida no roteiro dá um toque diferenciado. Henry Cavill como o agente arrumadinho e esticadinho (nem um fio sai do lugar durante as lutas), é quase um James Bond, com olhares e frases feitas, bem clichês, que ficam engraçadas. 

Destaque para Sam Rockwell, que faz um agente que gosta de uma boa briga, mas adora dançar (o ator sempre insere uma cena de dança em seus filmes). Sempre com uma cara boa, às vezes até boba, quando está perto de Elly.

Bryce Dallas Howard está muito bem no papel e também dá um bom toque de humor. Mas seu dublê teve bastante trabalho nas cenas de luta. A atriz, que estaria em sua terceira gravidez, segundo tabloides norte-americanos, apresenta todos os sinais de gestação, que vão se tornando cada vez mais evidentes à medida que o filme avança para o final. 

Não bastassem as fofocas e os protagonistas para atraírem o público, o longa conta ainda com um bom elenco, com nomes como Bryan Cranston (série "Breaking Bad" - de 2008 a 2012 e "Asteroid City" - 2023), Sofia Boutella ("Rebel Moon: Parte 1" - 2023), John Cena ("O Esquadrão Suicida" - 2021), Samuel L. Jackson (toda a saga com os heróis "Vingadores", desde 2008 até 2023, incluindo "Ultimato" - 2019), Ariana DeBose ("Amor, Sublime Amor" - 2021) e Catherine O'Hara ("Os Fantasmas Se Divertem" 1 e 2, que será lançado este ano).

Sofia Boutella e Samuel L. Jackson inclusive já trabalharam com o diretor Matthew Vaughn em "Kingsman: Serviço Secreto" - 2015. Ele também dirigiu "Kingsman: o Círculo Dourado" (2017) e "Kings's Man: A Origem" (2022).

Além do elenco e dos bons efeitos especiais (mesmo quando se tornam cansativos, como na luta da fumaça colorida), "Argylle - O Superespião" conta com uma ótima trilha sonora que dá o reforço necessário ao roteiro. 

Estão também entre as músicas, "Let's Dance", de David Bowie, o remix de "Suspicious Minds", de Elvis Presley e "Now and Them", dos Beatles.

O diretor Matthew Vaughn tenta novamente combinar os gêneros comédia e ação, mas desta vez ficou limitado. O roteiro de Jason Fuchs (criador da ideia original de "Mulher Maravilha" - 2017) não é tão bom como o de "Kingsman" (que inclusive é lembrado no filme), mesmo com o esforço do elenco. 

Mas vale como um bom entretenimento e para o público conferir todas as teorias loucas dos boatos sobre Taylor Swift. Alerta: tem cena pós-crédito.

Ficha técnica

Direção: Matthew Vaughn
Roteiro: Jason Fuchs
Produção: Apple Original Films, Marv Films e Cloudy Productions
Distribuição: Warner Bros. Pictures
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h20
Classificação: 14 anos
País: Reino Unido
Gêneros: ação, suspense, comédia, espionagem

Destaque em premiações, “Anatomia de uma Queda” apresenta trama densa e arrebatadora

Ao suscitar reflexões complexas sobre a busca pela verdade, longa de Justine Triet vai muito além de um clássico drama de tribunal (Fotos: Diamond Films)

Carolina Cassese

Palma de Ouro em Cannes, duas estatuetas do Globo de Ouro e cinco indicações ao Oscar - inclusive o de Melhor Filme. "Anatomia de uma Queda" ("Anatomie d’une Chute"), o longa mais recente da francesa Justine Triet, definitivamente conquistou a aprovação da crítica e tem sido um dos destaques da atual temporada de premiações. Centrado na investigação de um crime, o drama, que já pode ser visto nos cinemas brasileiros, surpreende por reunir atuações ímpares e uma história arrebatadora.

Na primeira cena, vemos a autora Sandra Voyter (Sandra Hüller) falar sobre seu trabalho para Zoé (Camille Rutherford), uma estudante de pós-graduação. Enquanto isso, Samuel (Samuel Theis), o marido da escritora, está no andar de cima do chalé rústico, ouvindo música num volume ensurdecedor. Tal interferência é bastante reveladora: ele não está fisicamente na sala de estar, mas impõe sua presença ao atrapalhar a conversa das duas com o som. 

Pouco tempo depois, o marido é encontrado morto na neve, após ter aparentemente caído do sótão onde trabalhava. Porém, após investigações da polícia local, uma pergunta passará a ecoar por todo o longa: Sandra matou Samuel ou ele se jogou pela janela?

Não demoramos a ficar sabendo que o marido havia sido diagnosticado com depressão e vivia angustiado. O casal chegou a atravessar um significativo drama familiar: enquanto Samuel deveria estar vigiando o próprio filho, o menino Daniel (Milo Machado-Graner) sofreu um acidente e passou a ter complicações na visão. 

Considerando a importância do conceito de justiça para a narrativa, podemos, quem sabe, associar a limitação visual do garoto com a imagem desse princípio, que carrega uma venda nos olhos - simbolizando a imparcialidade. Mas é realmente possível (e até mesmo desejável) ser “neutro”? Ou, ao julgarmos uma situação, precisamos constantemente tomar decisões, que acabam nos comprometendo com determinado lado? 

Essas são apenas algumas das muitas perguntas que emergem a partir dos desdobramentos da trama, cujo título remonta ao clássico "Anatomia de um Crime" (1959), de Otto Preminger.

Ao longo do filme, vamos descobrindo outras informações que deixam a narrativa mais intrincada e repleta de nuances. Esse, aliás, é um dos principais méritos da produção de Triet: a história é realmente complexa e não pretende apresentar respostas prontas ou reviravoltas sem propósito. 

Muitos filmes de Hollywood nos viciaram em esperar por plot twists incessantes e extremamente reveladores; essa narrativa francesa, no entanto, nos obriga a fazer as pazes com várias camadas do indecifrável.

Nesse sentido, se os filmes "Vidas Passadas" e "Folhas de Outono" (produções que também têm se destacado na presente temporada de premiações deste ano) subvertem clichês da comédia romântica, podemos dizer que "Anatomia de uma Queda" também não se encaixa num mero estereótipo do gênero, já que o longa é muito mais do que uma típica disputa de tribunal. 

Por sinal, os franceses parecem ter uma habilidade especial para conduzirem narrativas intensas e complexas sobre julgamentos: o recente filme "A Acusação" (2022), de Yvan Attal, também apresenta cenas de tirar o fôlego e é bastante eficiente em capturar a atenção do espectador. Nos dois casos, os respectivos casos analisados servem como ponto de partida para a discussão de temas mais amplos.

Como já foi mencionado, "Anatomia de uma Queda" tem marcado presença nas premiações. No caso do Oscar, o filme foi indicado às categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Atriz, Melhor Roteiro Original e Melhor Edição. É válido assinalar ainda que a produção levou um par de estatuetas do Gotham Awards (roteiro e longa-metragem internacional) e conquistou o prêmio internacional no New York Film Critics Circle Awards. 

Boa parte da crítica destacou o trabalho de Sandra Hüller e, vale dizer, a atriz de fato impressiona ao entregar uma personagem que consegue ser, ao mesmo tempo, impetuosa e significativamente indecifrável.

A duração do filme extrapola muito as duas horas, mas há boas chances de que o público sinta esse tempo passar num piscar de olhos. O tribunal chega a um veredito, mas o espectador não necessariamente irá se convencer de que tem todas as respostas. No entanto, tal sensação não faz com que o longa seja menos satisfatório - ao embarcarmos na intensa jornada de "Anatomia de uma Queda", logo entendemos que não saber faz parte do processo.

Ficha técnica

Direção e roteiro: Justine Triet
Produção: MK2 Films, Les Films Pelléas e France 2 Cinéma
Distribuição: Diamond Films Brasil
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h30
Classificação: 16 anos
País: França
Gêneros: crime, suspense, policial, drama