Cinema para amar e se divertir

 

 

Equipe do Cinema no Escurinho

 

A semana do Dia dos Namorados está no ar, e o cinema é o refúgio perfeito para todos os corações! Seja para celebrar a dois ou para curtir a própria companhia, prepare a pipoca que a programação está cheia de opções para todos os gostos. A turma do Cinema no Escurinho tem boas indicações para nossos seguidores.

Para os apaixonados (e os que gostam de um bom romance): que tal se aninhar com seu amor para um drama romântico que aquece a alma, ou uma comédia leve que garante boas risadas? 

Para os solteiros (e os que celebram a liberdade!): quem disse que o Dia dos Namorados é só para casais? Este é o momento perfeito para se mimar, seja com uma comédia hilária que te fará esquecer de tudo, ou um filme de ação eletrizante, ou até mesmo um suspense que prende a respiração. Reúna os amigos ou curta sua própria companhia com um filme que te faça vibrar ou se emocionar!

Não importa seu status, o importante é aproveitar a magia do cinema. Escolha seu gênero preferido e celebre o amor – seja ele romântico, entre amigos ou o amor-próprio! Aí vão as nossas dicas.  

Eduardo Jr.

"Cidade dos Anjos" (1998) 

Um anjo (Nicolas Cage) se apaixona por uma mortal (simplesmente Meg Ryan, por quem qualquer um se apaixonaria, né?). Filme sobre relacionamento, finitude, dogmas, e ainda entrega emoção. Disponível na Amazon Prime, Google Play Filmes, Apple TV e Youtube.

"Cidade dos Anjos"

Maristela Bretas

"Idas e Vindas do Amor" (2010)

Esta comédia romântica trata exatamente do Dia dos Namorados, quando vários casais (e não casais) têm suas vidas entrelaçadas no Dia dos Namorados. Alguns em busca de novos amores, outros com corações partidos, mas todos em busca do grande amor. No elenco de peso temos Bradley Cooper, Jennifer Garner, Anne Hathaway, Julia Roberts, Patrick Dempsey, Ashton Kutcher, entre outros famosos. Disponível na Amazon Prime, Google Play Filmes e Apple TV.

"Idas e Vindas do Amor"

"Meu Primeiro Amor" (1991)

Comédia dramática lançada em 1991 e dirigida por Howard Zieff. O longa é estrelado por Macaulay Culkin e Anna Chlumsky. Enquanto Vada lida com os desafios da adolescência, ela também desenvolve uma paixão por seu colega de classe, Thomas J. Sennett (interpretado por Macaulay Culkin). Juntos, eles embarcam em uma jornada de autodescoberta, amizade e amor.  Disponível na Amazon Prime, Google Play Filmes e Apple TV.

"Meu Primeiro Amor"

Mirtes Helena Scalioni

“L’Amour” (2012)

Comovente filme francês dirigido por Michael Haneke. Com atuações inspiradas de Jean-Louis Trintignant e Emmanuelli Riva, o longa é focado em um casal de idosos apaixonados um pelo outro e pela música clássica. O drama começa quando ela adoece e precisa de cuidados especiais. É o amor elevado à sua máxima potência quando posto à prova. Dos finais mais chocantes que eu já vi. Disponível no Max, Amazon Prime e Mubi.

"L'Amour"

Filipe Matheus

“A Culpa é das Estrelas” (2014)

O livro e o filme exploram temas universais como a doença, a morte e o amor, de forma sensível e emocionante. Hazel e Gus são personagens marcantes, que conquistam o público pela sua força e determinação. O autor, John Green, foi inspirado por uma história real de uma jovem que lutou contra o câncer, o que adiciona uma camada de autenticidade à trama. Ainda não superei esse filme maravilhoso. Disponível no Disney+. Confira a crítica aqui

"A Culpa é das Estrelas"

Marcos Tadeu

"Sorte no Amor" (2006)

A bem-sucedida Ashley tem uma vida maravilhosa e é conhecida como a garota mais sortuda do mundo. Entretanto, após beijar o desastrado Jake em um baile a fantasia, a sorte dos dois é invertida. Quem nunca teve sorte no amor? Quem sempre acha que foi um solteiro (a) que só teve azar no amor? Gosto muito desse filme que ele expõe de maneira divertida e prática o que é sorte/ azar no amor. Quem menos espera pode se tornar um par para a vida toda. Disponível na Disney+, Telecine e Amazon Prime.

"Sorte no Amor"

"Comer, Rezar, Amar" (2010)

Na história conhecemos Liz que tinha um marido e uma carreira estável. Tudo muda após passar por um divórcio. Liz precisa aprender a gostar de si própria e redescobrir o amor não só em homens, mas nas dores e delícias da vida. Viajando e experimentando novos sabores, ela começa a mudar sua percepção e visão de vida. Um filme para se aprender sobre o que é estar solteiro e também sobre a vida a dois. Disponível na Amazon Prime, Apple TV, Telecine e Google Play Filmes.

"Comer, Rezar, Amar"

Silvana Monteiro

Em Uma Ilha Bem Distante (2023)

Comédia alemã que acompanha uma mulher de 49 anos, casada e mãe de uma filha. Ela sofre com a estrutura de ter que assumir tudo sozinha sem a ajuda dos homens da casa. Ela resolve partir para a Croácia após a morte da mãe e acaba em uma jornada de descobertas e de liberdade ao conhecer um morador local. Disponível na Netflix.

"Em uma Ilha Bem Distante"

Série "Quando o Telefone Toca" (2024)

Série coreana que aborda um casamento arranjado entre um político e uma herdeira muda, que é sequestrada. Romance, drama e suspense se misturam a segredos e personagens inesperados, mudando totalmente o rumo da vida do casal, cuja relação se torna mais forte para enfrentarem a crise juntos. Disponível na Netflix.

"Quando o Telefone Toca"

Os filmes que exploram as nuances do amor, da paixão e até dos desafios de um relacionamento são ideais para reforçar a conexão e compartilhar emoções. Fique de olho nas estreias que prometem suspirar e também no que está nos catálogos dos canais de streaming!

E se tiver alguma indicação, conta prá gente e ajude mais seguidores a curtirem este momento tão especial e todos os outros importantes em que uma pipoca, um edredom quentinho e uma boa companhia merecem a magia do cinema.

"Ainda Não é Amanhã”: o futuro de cada desejo quando se é mulher

Obra debate a criminalização do aborto e seus efeitos sobre jovens da periferia (Fotos: Embaúba Filmes)

 

 

Silvana Monteiro

 

“Ainda Não é Amanhã”, longa de estreia de Milena Times em cartaz no Cine Una Belas Artes, tem nome de poema, cheiro de realidade e gosto de lágrima. 

A obra reflete as vivências de meninas da periferia que crescem ouvindo que a educação é o caminho, mas descobrem — cedo demais — que a estrada é esburacada, que o corpo pesa mais quando é mulher, negra e pobre.

Janaína, interpretada com maturidade por Mayara Santos, é uma dessas jovens. Primeira da família a ingressar na universidade, carrega o diploma de Direito como uma promessa feita não só a si mesma, mas às mulheres que vieram antes dela: sua mãe, sua avó.  

Mas, como tantas meninas brasileiras, Janaína vê esse futuro ser ameaçado não por falta de capacidade, mas por um fato muito comum entre tantas - a gravidez precoce, um daqueles choques de realidade que não cabem nos manuais do vestibular. Ter ou não ter? Uma discussão muito pertinente nesse caso em questão. 

É impossível não traçar paralelos com a realidade das muitas “Janas”, aquelas que caminham numa corda bamba entre sonho e sobrevivência. Que vivem sob o peso da expectativa familiar e do desejo pessoal, enquanto enfrentam um Estado que as torna invisível, porém, no primeiro deslize, está pronto para puni-las e até encarcerá-las. 

A universidade, para muitas, é o primeiro território que não fala a sua língua, e muitas vezes também o último, porque não há política pública que as sustente até o fim.

O filme acerta ao mostrar o aborto em uma imersão psicossocial. A câmera acompanha Jana com intimidade e respeito. Há uma beleza impactante quando o afeto entre mulheres rompe o isolamento e mostra que, apesar de tudo, resistir é possível. As cenas que referenciam o mar ao útero são, na minha visão, as mais incríveis e reflexivas. 

A escolha de ambientar o filme em Recife não é mero regionalismo. É afirmação. É resposta ao cinema brasileiro que ainda insiste em centralizar olhares no eixo Rio-São Paulo. 

O Nordeste aqui pulsa com suas próprias dores e seus próprios brilhos. A direção é feminina, o elenco é quase todo feminino, e a narrativa, atravessada por um recorte de gênero, escolhe centrar o cuidado entre mulheres.

“Ainda Não é Amanhã” conversa também com outro grupo que, mesmo distante da periferia, compartilha da mesma tensão entre avanço e permanência: as universitárias que são as primeiras de suas famílias a ocuparem esse espaço. 

Aquelas que ainda se sentem estrangeiras nas bibliotecas, que têm medo de não dar conta, que escutam “você está diferente” cada vez que voltam para casa. 

No fim, a escolha do título não é derrota. É aviso. O amanhã de Jana ainda não chegou, e pode demorar a chegar por diversas causas, sintomas e consequências. Mas o filme de Milena Times é um passo importante para que a gente comece, ao menos, a ouvi-las.

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Milena Times
Produção: Espreita Filmes, Ponte Produtoras e Ventana Filmes
Distribuição: Embaúba Filmes
Exibição: sala 2 - Cine Una Belas Artes
Duração: 1h17
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: drama

"Manas" – Um retrato doloroso e cruel de uma Ilha de Marajó exuberante

Destaque para a atuação de Jamilli Correa, como Marcielle, uma jovem sensível e corajosa, forçada a amadurecer antes da hora (Fotos: Divulgação)

Marcos Tadeu
Parceiro do blog Jornalista de Cinema

O longa-metragem de ficção de Marianna Brennand fez barulho nos festivais de Veneza e São Paulo e está em exibição no Cine Una Belas Artes, em BH. Com delicadeza e firmeza, o filme coloca o dedo na ferida da violência sexual presente na Ilha de Marajó, trazendo à tona um ciclo cruel que atravessa gerações de mulheres.

A protagonista Marcielle (Jamilli Correa), uma garota de 13 anos, vive numa realidade marcada pelo machismo e pela violência que fazem parte do cotidiano da periferia ribeirinha. 

Com a partida da irmã mais velha, Claudinha, Marcielle começa a perceber com mais nitidez os padrões de opressão que se repetem dentro de sua família. Cabe a ela agora, proteger a irmã mais nova e tentar romper com esse destino, tão comum quanto brutal.

Um dos grandes destaques do filme é a atuação de Jamilli Correa, que entrega uma personagem sensível e corajosa, forçada a amadurecer antes da hora. Marcielle, aos poucos, entende por que a irmã mais velha se afastou da família e passa a desconfiar da “troca” que os homens da comunidade parecem exigir constantemente das mulheres.

A direção de Marianna Brennand é cuidadosa e, ao mesmo tempo, incisiva. Ela denuncia as violências e o tráfico infantil nessas comunidades sem expor as meninas ou recorrer a cenas gráficas. 

Pelo contrário: é no silêncio, nos olhares, nos gestos e nos não ditos que o filme se torna mais poderoso. A brutalidade não precisa ser mostrada diretamente — ela é sentida.

Em uma das cenas mais simbólicas, o pai (interpretado por Rômulo Braga) convida a filha para caçar. A sequência, carregada de tensão, coloca a menina como presa e o pai como predador — uma metáfora que resume o desequilíbrio de poder e o perigo constante vivido por essas garotas. A atuação de Braga, aliás, é marcante por essa ambiguidade: um homem de aparência gentil, mas profundamente hostil.

O filme também explora com beleza as paisagens da Ilha de Marajó — rios, matas, o verde intenso do Pará e da Amazônia — criando um contraste entre o paraíso natural e a vida dolorosa das meninas que ali habitam. 

Dira Paes, como a policial Aretha, tem um papel que cresce com força do segundo para o terceiro ato, representando uma mulher que tenta proteger as demais ao denunciar os abusos e incentivar a quebra do ciclo. O elenco conta ainda com Fátima Macedo (como Danielle, mãe de Marcielle), atores e atrizes locais da região.

Até mesmo a religião, muitas vezes vista como acolhimento, é retratada de maneira crítica. Em "Manas", a igreja aparece como espaço que incentiva as mulheres a "lidarem com a dor em casa", perpetuando o silêncio e a submissão. 

A cena em que Marcielle e outras meninas dançam ao som de “Conquistando o Impossível” é simbólica: um pedido de socorro camuflado de fé e esperança.

Talvez o longa pudesse se aprofundar um pouco mais nos antecedentes do pai, explorando como a violência masculina se reproduz entre gerações e no próprio tecido social da comunidade. Ainda assim, isso não compromete a força da narrativa.

"Manas" é um filme necessário, feito com respeito, cuidado e precisão. Ele denuncia o que precisa ser dito, mas sem expor as feridas — nos mostrando que até o silêncio carrega gritos. Um longa que fala com mulheres que vivem essa realidade, e com todos nós que precisamos ouvi-las.

Ficha técnica:
Direção: Marianna Brennand
Produção: Inquietude, em coprodução com Globo Filmes, Canal Brasil, Prodígio e Fado Filmes (Portugal)
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: Cine Una Belas Artes - sala 2 - sessão 18 horas
Duração: 1h46
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gêneros: drama, ficção

Perturbador, thriller "Uma Família Normal" dialoga com discussões contemporâneas e urgentes

Longa sul-coreano aborda temas semelhantes aos do filme “Parasita” e da série “Adolescência” (Fotos: Pandora Filmes)

 

 

Carol Cassese

 

Carros luxuosos, aparências impecáveis, chefs renomados. Esses são os principais valores dos protagonistas de "Uma Família Normal", thriller sul-coreano dirigido por Hur Jin-ho. No Brasil, a produção chegou às telas no início de maio, surpreendendo positivamente a crítica.

O filme, centrado na história de uma família rica que precisa lidar com as consequências de um crime violento, foi oficialmente lançado em 14 de setembro de 2023, durante o Festival Internacional de Cinema de Toronto, no Canadá. 

Logo na primeira cena, vemos um incidente violento no trânsito, que deixa um homem morto e sua filha gravemente ferida. O advogado criminalista Jae-wan (Sol Kyung-gu) é então chamado para defender o assassino (Yoo Su-bin), enquanto seu irmão mais novo, o médico Jae-gyu (Jang Dong-gun), realiza uma cirurgia de emergência na menina ferida. 

Os familiares, que costumam sair para jantar em restaurantes luxuosos com as respectivas esposas, logo começam a entrar em conflito, pois defendem pontos de vista aparentemente antagônicos (em especial no que diz respeito ao trágico evento).

Há, portanto, uma interessante oposição entre os dois irmãos, que lembra o clássico "O Médico e o Monstro" – o último, claro, representado pela figura do advogado criminalista, que parece sempre privilegiar o dinheiro. 

No entanto, assim como acontece na obra original de Robert Louis Stevenson, observamos que, na verdade, as duas figuras podem não ser tão diferentes uma da outra. 

As esposas, interpretadas por Kim Hee-ae e Claudia Kim, também discutem entre si. A primeira, Yeon-kyung, casada com o irmão médico, se dirige à cunhada, Ji-su, mais jovem de maneira desdenhosa, comentando sobre sua magreza: “Nem parece que você acabou de ser mãe”.

Por sua vez, a personagem Seon-ju (Choi Ri) demonstra condescendência e de fato evidencia que a estética é um valor primordial para ela – logo em uma das primeiras cenas do filme, Seon-ju afirma que “ainda precisa perder quatro quilos” para se sentir bem consigo mesma. 

Ao longo da noite, observamos diversas conversas sobre a “juventude” e o “envelhecimento” de bebidas, o que pode ser compreendido como um comentário sobre a diferença de idade entre as duas mulheres.

O mais grave de toda a situação, porém, é que, enquanto os personagens principais estão no jantar, seus filhos adolescentes cometem um tenebroso ato de violência contra uma pessoa vulnerável. 

É a partir desse ocorrido que uma das principais perguntas do longa emerge: qual escolha você tem quando seus filhos são criminosos? Ou, mais especificamente, como um médico e um advogado, representantes de setores tão tradicionais, podem lidar com o impacto social de um crime cometido por membros de suas famílias?

Os personagens, então, passam a discutir as diferentes implicações da ação de seus filhos. Ao longo da história, os familiares mostram diversos traços de suas personalidades, o que torna a trama bastante complexa.

Em um momento de lucidez, a mãe dos dois irmãos, que sofre de Alzheimer, afirma sobre Jae-gyu: “Ele parece bonzinho, mas pode ser muito violento”. Como apontamos anteriormente, a figura do médico gradualmente passa a se aproximar de uma representação monstruosa. 

Vale observar que o filme é baseado no romance "The Dinner" ("O Jantar"), do autor holandês Herman Koch, que já inspirou pelo menos outras três versões cinematográficas: "Het Diner" (Holanda, 2013), "I Nostri Ragazzi" (Itália, 2014) e "The Dinner" (Estados Unidos, 2017). 

Enquanto o romance se passa inteiramente ao longo de um jantar, o longa de Hur Jin-ho expande a história, ambientada durante vários dias. 

Mesmo considerando as particularidades de cada cultura, é interessante pensarmos que há algo de universal nesta história, ou, pelo menos, um número significativo de elementos comuns a sociedades capitalistas. 

Nesse sentido, o longa de Hur Jin-ho poderia facilmente se passar no Brasil, onde homens que dirigem carros luxuosos também possuem uma “autorização” para serem violentos, sem graves consequências. 

Poderia – e irá se passar: uma versão brasileira da história, intitulada "Precisamos Falar", deve chegar às salas de cinema ainda neste ano. Dirigido por Pedro Waddington e Rebeca Diniz, o filme conta com a presença de Marjorie Estiano e Alexandre Nero no elenco. 

Como esperado, segue uma premissa similar a do romance holandês "O Jantar", também explorando o tema da desigualdade de classe.

Ao considerarmos o título da adaptação coreana, lembramos ainda da autora argentina Samanta Schweblin que, em entrevista ao periódico El País, afirmou que “o que chamamos de normalidade” é uma falácia.

No longa, observamos que elementos como um jaleco branco ou um renomado escritório de advocacia definitivamente dizem muito pouco sobre a ética de uma pessoa. 

Mesmo que os dois irmãos possam ser significativamente cruéis, as cenas mais angustiantes do longa são centradas nos adolescentes, Seon-ju e Hyung-cheol (Yoo Su-bin)l, que passam horas assistindo a conteúdos violentos nas redes sociais. 

Por abordar o impacto nocivo dessas mídias na vida dos mais jovens, o filme também dialoga com a discussão da comentada série "Adolescência", disponível na Netflix. 

A partir de "Uma Família Normal", compreendemos que meninas, em especial as mais ricas, também podem incorporar ideais violentos – mesmo que figuras do sexo masculino sejam, ainda, as principais responsáveis por agressões. 

Logo, é importante considerarmos que, assim como o gênero (fator bem explorado em "Adolescência"), a classe é um elemento fundamental para a compreensão das violências contemporâneas.

Além disso, não é surpreendente que o filme de Hur Jin-ho tenha sido comparado à "Parasita", de Bong Joon-ho, já que as duas produções sul-coreanas evidenciam muitas disparidades do sistema econômico vigente e, ainda, abordam conflitos familiares. 

Nesse sentido, "Uma Família Normal" confirma a força do cinema contemporâneo do país, que tem apresentado histórias densas e uma estética singular. 

Contando com um ritmo eletrizante e atuações surpreendentes, o filme de Hur Jin-ho perturba o espectador do começo ao fim, suscitando reflexões sobre a banalização das desigualdades. 

Essa história, significativa para tantas culturas, ilustra que, muitas vezes, os cidadãos “normais” (ou “de bem”, como diríamos por aqui) operam primordialmente a partir de uma lógica desequilibrada e egocêntrica.

Ficha técnica:
Direção e roteiro: Hur Jin-ho
Distribuição: Pandora Filmes
Exibição: em breve no streaming
Duração: 1h49
Classificação: 16 anos
País: Coreia do Sul
Gênero: drama

"Virgínia e Adelaide" traz à tona a coragem e o pioneirismo de mulheres lutadoras

Longa-metragem é tão delicado, eficaz e didático que funciona quase como um documentário
(Fotos: Fábio Rebelo)

 

 

Mirtes Helena Scalioni

 

Adeptos da Psicanálise - sejam eles profissionais, pacientes ou meramente curiosos - certamente vão tirar proveito maior de "Virgínia e Adelaide", longa de Yasmin Thayná e Jorge Furtado produzido pela Casa de Cinema de Porto Alegre. 

Com roteiro enxuto e certeiro de Furtado, o filme que conta a trajetória da pesquisadora negra Virginia Leone Bicudo e da médica alemã Adelaide Koch estreia dia 8 de maio nos cinemas, prometendo esclarecer e resgatar o pioneirismo de duas mulheres visionárias e lutadoras.

São apenas duas atrizes em cena - Gabriela Correa, como Virgínia, e Sophie Charlotte, como Adelaide - o que leva o espectador a se sentir, em alguns momentos, como se estivesse num teatro. Não há ação, suspense nem tramas, mas o filme é tão delicado e didático que funciona quase como um documentário. 

Quem não sabe, vai ficar sabendo, minimamente, como funciona uma sessão de psicanálise, com seus silêncios, divã, sonhos, transferência, tempo lógico e palavras. Muitas palavras.

Tudo começa quando a paulista Virgínia Leone Bicudo, talvez paralisada e traumatizada após anos de enfrentamento de preconceito racial, procura a médica alemã Adelaide Koch, judia que chegou a São Paulo fugida da perseguição nazista de Hitler. 

Depois de muitas dúvidas e senões, Adelaide topa aceitar a nova cliente e, ao longo das sessões, o espectador vai descobrindo que há muito mais em comum entre elas do que se imagina. 

E é assim, lentamente, durante longos cinco anos, que a relação entre elas vai sendo transformada. As duas se tornam amigas, Virgínia ganha forças para enfrentar tudo e todos, faz também sua formação em Psicanálise, vive um tempo em Londres e se torna a primeira psicanalista brasileira.

No início, o público pode até estranhar o sotaque de Sophie Charlotte como Adelaide, mas a interpretação da atriz é tão convincente e natural que os diálogos passam a transcorrer naturalmente. 

Os diretores Jorge Furtado e Yasmin Thayná

Não se pode esquecer que embora tenha vindo para o Brasil aos sete anos, ela nasceu em Hamburgo, na Alemanha, e alguma coisa deve ter ficado com ela - no inconsciente?  Confira o vídeo do making off do filme clicando aqui

Gabriela Correa também brilha numa interpretação contida de mulher negra vítima de racismo disposta a mostrar ao mundo do que é capaz enquanto seu tratamento vai evoluindo, palavra por palavra, como convém à Psicanálise. Destaque para os figurinos irretocáveis de época, que ajudam a criar o clima para a história.

Como o filme se passa em sua maior parte na década de 1930, em alguns momentos fatos históricos como a ascensão do nazismo e do Estado Novo no Brasil são mostrados, levando o espectador a, quem sabe, traçar alguma similaridade ou paralelo entre eles. 

"O ódio é uma doença contagiosa", uma delas sentencia num dos diálogos. E a certa altura, Adelaide conclui: "Cada um sabe a hora de lutar ou correr". Elas lutaram. 

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Yasmin Thayná e Jorge Furtado
Produção: Casa de Cinema de Porto Alegre, coprodução Globo Filmes e GloboNews
Distribuição: H2O Films
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h35
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: drama

“Sobreviventes” é um filme necessário para discutir sobre escravidão de forma subvertida

Filme acompanha um grupo de negros e brancos que escapa do naufrágio de um navio negreiro e vai
precisar mudar seu modelo de convivência (Fotos: Hugo Azevedo/Divulgação)

 

  

Marcos Tadeu
Parceiro do blog Jornalista de Cinema

Último trabalho do cineasta luso-brasileiro José Barahona, "Sobreviventes" revisita a disputa do poder em meados do século XIX, após um naufrágio de um navio negreiro. O longa está em cartaz no Cine Una Belas Artes, com produção da Refinaria Filmes (Brasil) e David & Golias (Portugal).

A questão da escravidão é um tema que ainda assombra e se faz presente no século XXI de formas diferentes, mas com resquícios do passado. Barahona entrega um filme histórico e necessário ao tocar nas principais feridas do povo brasileiro.

A colonização do Brasil por Portugal é um exemplo de exploração econômica, violência contra os povos indígenas, implantação de um sistema escravocrata e a tentativa de imposição da cultura europeia. 

O filme acompanha um grupo de homens e mulheres, negros e brancos, que, após escaparem de um terrível naufrágio de um navio negreiro, encontram-se isolados em uma ilha deserta, no Oceano Atlântico, no século XIX. Para sobreviverem, eles agora enfrentam um dilema: reproduzir as hierarquias do passado ou construir um novo modelo de convivência.

Temos todos os tipos de personagens, apesar de algumas vezes caricatos: João Salvador (o escravo), o branco que tenta manter a autoridade, o arrependido, o cruel, mulheres desvalorizadas e somente usadas para reprodução. Impossível não comparar a sociedade que temos hoje com a do passado.

A fotografia em preto e branco de Hugo Azevedo ajuda a fazer o contraste entre raças e seus discursos e ideologias. Um dos maiores acertos da obra é mostrar como, mesmo em uma situação difícil, as pessoas ainda querem manter o domínio sobre as outras. 

Podemos até lembrar do longa “O Poço”, do diretor espanhol Galder Gaztelu-Urrutia, que discute política e fome em uma prisão vertical.

O maior trunfo de Barahona em sua obra é a maneira como ele, em determinado momento, subverte a lógica em relação à escravidão, transformando escravo em senhor e escravizando o homem branco. Tudo isso em uma narrativa densa e dolorosa, mostrando o maior defeito do ser humano: a crueldade.

O cineasta, que era um português branco, faz um filme para negros, para levar o público a pensar e repensar como a escravidão chegou ao Brasil e se impôs sobre outros povos. A colonização e a descolonização mostradas no longa são escancaradas de maneiras diversa e didática, sem enrolação. 

O elenco dá um show de atuação, estrelado pelo mineiro Paulo Azevedo, Miguel Damião, Allex Miranda, Roberto Bomtempo, Zia Soares, Ângelo Torres e Anabela Moreira. Eles conseguem fazer o público ter empatia por seus personagens e, ao mesmo tempo, sentir raiva deles.

A trilha sonora original é assinada por Philippe Seabra, da banda Plebe Rude, e conta com a participação especial de Milton Nascimento em uma das faixas do filme, ampliando sua dimensão simbólica e afetiva.

“Sobreviventes” é um tipo de filme raro de se ver. Ele abre debates sobre a colonização e como o poder e a política funcionam até em uma ilha deserta com pessoas usando suas dores e diferenças para chegar a um objetivo, apelando até mesmo para a violência e a crueldade.

Ficha técnica:

Direção: José Barahona
Produção: Refinaria Filmes (Brasil) e David & Golias (Portugal)
Distribuição: Pandora Filmes
Exibição: Cine Una Belas Artes - sala 3, sessão 19h40
Duração: 1h51
Classificação: 16 anos
Países: Brasil e Portugal
Gênero: drama

"O Contador 2" acerta ao equilibrar ação, emoção e humor

Ben Affleck e Jon Bernthal entregam ótimas atuações e uma boa química tanto nas discussões familiares quanto nos conflitos contra os criminosos (Fotos: Warner Bros.)

 

 

Maristela Bretas

 

Ben Affleck retoma seu enigmático personagem Christian Wolff, um contador com Síndrome de Asperger (uma forma de Transtorno do Espectro Autista) dotado de habilidades extraordinárias em raciocínio, matemática e combate. Uma interpretação, mais uma vez, impecável.

Em "O Contador 2" ("The Accountant 2"), com estreia marcada para esta quinta-feira nos cinemas, a grande novidade é o protagonismo igualmente conferido a Jon Bernthal, que reassume o papel de Braxton, o irmão de Chris e matador de aluguel.

A dupla explosiva, em todos os sentidos, prende a atenção do espectador do princípio ao fim da trama, com uma generosa dose de ação, tiroteios, pancadaria e até mesmo momentos de bom humor. 

A química entre Affleck e Bernthal se mostra eficaz, com ambos visivelmente mais à vontade em seus respectivos papéis.

Chris, o Contador, ainda procurado pelo FBI, é recrutado pela agente do Tesouro americano Marybeth Medina (Cynthia Addai-Robinson) para identificar os responsáveis pela morte de um antigo amigo em comum. 

Envolvido em uma conspiração internacional, ele precisará da ajuda de seu irmão, de quem se separou ao final de "O Contador" (2016), para rastrear os suspeitos, ligados a uma perigosa rede de tráfico humano.

Em "O Contador 2", Gavin O'Connor, que também dirigiu o filme original, adiciona camadas de emoção à narrativa ao explorar as dinâmicas familiares, tanto a dos irmãos justiceiros quanto a das vítimas da rede de tráfico. 

Essa profundidade emocional não compromete a ação intensa e as reviravoltas eletrizantes, que se manifestam em perseguições e confrontos bem coreografados protagonizados pela dupla. E a munição parece não ter fim em meio a tantos tiroteios.

Do filme anterior, além do trio de protagonistas Affleck, Bernthal e Addai-Robinson, o elenco conta com o retorno de J.K. Simmons e a adição de dois personagens relevantes, interpretados por Daniella Pineda e Allison Robertson.

Os toques de humor injetados em "O Contador 2" conferem ao filme uma leveza bem-vinda, especialmente nas interações entre os irmãos e na representação da dificuldade de interação social de Chris, uma característica de sua condição. 

A tentativa desajeitada do protagonista de encontrar um parceiro romântico por meio de uma agência de relacionamentos é particularmente divertida. Uma sequência que vale à pena conferir.

Ficha técnica:

Direção: Gavin O'Connor
Produção: Amazon MGM Studios e Warner Bros. Pictures
Distribuição: Warner Bros. Entertainment
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h05
Classificação: 16 anos
País: EUA
Gêneros: ação, drama

"Cidade dos Sonhos", de David Lynch, retorna aos cinemas em versão restaurada

Naomi Watts e Laura Harring são as protagonistas deste clássico do cinema contemporâneo lançado
em 2001 (Fotos: Divulgação)

Da Redação

Uma grande oportunidade de assistir a um clássico do cinema contemporâneo dirigido por David Lynch. Neste sábado, 12 de abril, 20 salas de cinema diferentes localizadas em 14 cidades brasileiras, recebem a pré-estreia de "Cidade dos Sonhos" (“Mulholland Drive”). 

Em Belo Horizonte, o Cine Una Belas Artes e o Centro Cultural Unimed-BH Minas foram os escolhidos para esta exibição especial. Os ingressos já podem ser adquiridos por meio dos sites ou bilheterias dos próprios cinemas.

O filme, lançado originalmente em 2001, é uma oportunidade para rever ou conhecer, agora em alta definição, uma das obras mais aclamadas do cinema moderno. A estreia nos cinemas acontece dia 17 de abril.

Na trama, Betty/Diane Selwyn (papel de Naomi Watts) é uma jovem aspirante a atriz que viaja para Hollywood e se vê emaranhada numa intriga secreta com Rita/Camila Rhodes (Laura Harring), uma mulher que escapou por pouco de ser assassinada, e que agora se encontra com amnésia devido a um acidente de carro. 

O mundo de Diane se torna um pesadelo e as duas passam a procurar pistas por Los Angeles sobre o que ocorreu com Rita e desvendar sua identidade. O elenco conta ainda com Justin Theroux, Billy Ray Cyrus, Ann Miller, Robert Forster, Patrick Fischler, entre outros. A bela trilha sonora ficou a cargo do compositor Angelo Badalamenti.

Com distribuição da Retrato Filmes, as pré-estreias representam não apenas a volta de uma obra-prima ao circuito cinematográfico, mas também a renovação do diálogo entre o cinema e o público que poderá redescobrir um dos maiores filmes do século XXI de forma única.

O relançamento de "Cidade dos Sonhos" nos cinemas é uma celebração da obra-prima de David Lynch, que volta às telas com uma nova remasterização digital, oferecendo aos espectadores uma experiência visual e sonora inédita. 

A versão restaurada em 4K traz uma clareza impressionante para a cinematografia única de Lynch, revelando detalhes sutis da obra que antes passavam despercebidos. Uma mixagem sonora aprimorada intensifica a atmosfera de mistério e tensão que caracteriza o filme, tornando-se uma experiência cinematográfica imersiva e inesquecível.  

"Cidade dos Sonhos" conquistou o troféu de Melhor Direção no Festival de Cannes de 2001, entregue a David Lynch, e no ano seguinte foi indicado na mesma categoria ao Oscar. Além da direção, o filme é elogiado pela fotografia, trilha sonora e montagem.

Ficha Técnica

Direção e roteiro: David Lynch
Produção: Studio Canal, The Picture Factory, Les Films Alain Sarde, Asymmtrical Productions, Touchstone Television e Imagine Television
Distribuição: Retrato Filmes
Duração: 1h27
Exibição: Cine Una Belas Artes e Centro Cultural Unimed-BH Minas
Classificação: 16 anos
Países: EUA e França
Gêneros: drama, fantasia, suspense