Revelação de segredos do passado e do presente ameaça o momento que deveria ser o mais feliz do casal (Fotos: Diamond Films Brasil)
Maristela Bretas
Um encontro nada casual, dois jovens decididos a se casar e um segredo revelado às vésperas da cerimônia capaz de destruir tudo. Essa é a premissa de "O Drama" ("The Drama"), que estreia nesta quinta-feira (9) nos cinemas.
Vendido como comédia romântica, o filme se aproxima muito mais do drama com suspense - e acerta ao apostar nisso. Seu maior trunfo são as atuações afiadas de Zendaya ("Rivais" - 2024) e Robert Pattinson ("Mickey 17" - 2025), que funcionam com intensidade e química na primeira parceria em cena.
Eles vivem Emma e Charlie, que se conhecem em um encontro armado por ele numa cafeteria. A relação avança rápido até o noivado. Às vésperas do casamento, durante uma brincadeira entre casais, um segredo do passado da noiva vem à tona - e desestabiliza a confiança não só entra ela e Charlie, mas de todo o grupo.
Até onde um segredo nunca revelado pode corroer uma relação construída sobre amor e cumplicidade? Entre intrigas, traições e desconfianças, o diretor e roteirista Kristoffer Borgli vai criando um ambiente sufocante, marcado por tensão crescente, constrangimentos e doses certeiras de humor sombrio. Um exemplo disso é a cena desconfortável do casal com a fotógrafa do casamento, um dia após as revelações.
O que deveria ser o momento mais feliz da vida a dois se transforma numa batalha silenciosa, que desgasta a relação dia após dia. O filme abandona rapidamente a leveza inicial e mergulha numa narrativa de suspense psicológico, cheia de reviravoltas, onde até a sanidade dos protagonistas passa a ser questionada.
Borgli conduz a trama com precisão ao explorar fragilidades e ressentimentos. Emma carrega um trauma do passado que ameaça destruir seu presente.
Charlie, por sua vez, revela-se um homem inseguro e emocionalmente despreparado para lidar com a verdade. Zendaya e Pattinson entregam atuações intensas, transmitindo angústia em olhares, gestos e silêncios que adoecem a relação diante do espectador.
O elenco de apoio também se destaca, especialmente os padrinhos Rachel e Mike, interpretados por Alana Haim (“Uma Batalha Após a Outra” - 2025) e Mamoudou Athie (“Jurassic World: Domínio” - 2022). São eles que acendem o estopim do conflito e rapidamente expõem a superficialidade e a hipocrisia que sustentavam a amizade com o casal.
Ao longo de "O Drama", novas revelações aprofundam o desconforto e provocam o público a repensar ideias romantizadas sobre amor, confiança e culpa. Não espere um final reconfortante.
O que fica é um nó na garganta — e a sensação incômoda de que talvez o filme diga mais sobre relações reais do que gostaríamos de admitir.
Ficha técnica: Direção e roteiro: Kristoffer Borgli Produção: A24 Distribuição: Diamond Films Brasil Exibição: nos cinemas Duração: 1h46 Classificação: 16 anos País: EUA Gêneros: drama, romance
Filme marca a estreia no cinema dos atores de séries e telenovelas Bella Campos e Xamã, que conquistou o troféu de Melhor Ator Coadjuvante no Festival de Cinema de Gramado (Fotos: Divulgação)
Eduardo Jr.
O cinema nacional vive, de fato, uma boa fase no quesito qualidade. O exemplo mais recente dessa safra é o interessante “Cinco Tipos de Medo”. Já com alguns prêmios na bagagem, o longa distribuído pela Downtown Filmes estreia nos cinemas nesta quinta-feira, 9 de abril.
Dirigido e roteirizado por Bruno Bini, o longa cruza, com habilidade, as histórias de cinco personagens. Talvez a proposta faça alguns leitores aqui se lembrarem do premiado “Crash: No Limite” (EUA, 2004). Ambos começam com reflexões do protagonista, entrelaçam histórias e entregam roteiros surpreendentes.
Em “Cinco Tipos de Medo”, um jovem músico lida com uma perda e se envolve num romance que traz mais problemas do que paz. É quando começam a se cruzar as histórias de um traficante, um advogado de comportamento suspeito e uma policial com desejo de vingança.
A história se passa na periferia de Cuiabá (MT), cenário pouco explorado no audiovisual brasileiro. Ponto positivo para esta escolha. E apesar de ser um thriller, a direção consegue levar o olhar do espectador para além da tensão típica do gênero, com questões como a Covid-19, relacionamentos abusivos e para a ausência do estado em algumas comunidades, que leva pessoas a contar mais com o crime do que com o poder público.
O início já apresenta algo que chama a atenção, um aviso de que o longa se inspira em histórias reais. Logo depois, é mencionada uma pesquisa (sem informar a fonte ou se é real), sobre os maiores medos do homem: de médico, de lugares fechados, da solidão, de ficar sem dinheiro, e só então, no espantoso quinto lugar da lista, o medo de morrer.
Bruno Bini, então, vai colorindo suas personagens com as tintas dessas preocupações.
E o elenco, em sua maioria, dá conta do recado ao imprimir nas personagens esses traços. O filme conta com Bella Campos (Marlene) e Xamã (Sapinho) - ambos estrearam no cinema com este longa -, João Vítor Silva (Murilo), Bárbara Colen (a policial Luciana), Rui Ricardo Diaz (Ivan), Rejane Faria (Antônia), Jonathan Haaggensen (Hugo) e Zecarlos Machado (Régis).
Criminalidade, suspense e violência dão corpo a esse thriller, que tem cenas apresentadas sem linearidade, mas que se encaixam bem no conjunto da obra. A luz correta, a fotografia bem executada, as conexões das histórias e as reviravoltas agradam bastante.
Não por acaso o longa conquistou, no Festival de Gramado de 2025, os prêmios de Melhor Filme, Melhor Roteiro, Melhor Montagem, para Bruno Bini, além do troféu de Melhor Ator Coadjuvante para Xamã. E ainda viaja para disputas em festivais internacionais.
Pode não ser um filme daqueles que conquistam indicações ao Oscar, mas prende o olhar do espectador na tela do início ao fim.
Ficha Técnica:
Direção e roteiro: Bruno Bini Produção: Plano B Filmes, Druzina Content, coprodução Quanta Distribuição: Downtown Filmes Exibição: salas da rede Cineart Duração: 1h47 Classificação: 16 anos País: Brasil Gêneros: drama, ação
Luis Brandoni e Eduardo Blanco são os protagonistas octogenários desta comédia dramática que se passa, na maior parte do tempo, num parque (Fotos: Netflix)
Mirtes Helena Scalioni
Mais uma vez, o diretor argentino Juan Campanella acerta em cheio, ao roteirizar e dirigir "Parque Lezama", filme tão engraçado e delicioso quanto incômodo. Os encontros frequentes de dois octogenários num parque popular de Buenos Aires levam o público ao inevitável confronto com a velhice que, se ainda não chegou, um dia chegará.
Daí a maestria do diretor, que em 2010 levou o Oscar por "O Segredo dos Seus Olhos", ao nos apresentar com graça e nostalgia, os diálogos e - por que não dizer - as peraltices e aventuras desses dois homens tão diferentes um do outro.
Antônio Cardoso (Eduardo Blanco) é um velho conformado com seu lugar no mundo. Discreto, trabalha como zelador de caldeira de um prédio há mais de 40 anos e não pensa em se aposentar tão cedo. Já León Schwartz, magistralmente interpretado por Luiz Brandoni, é matreiro, loroteiro e sagaz. Sua vida é uma incógnita.
Presume-se apenas que foi um militante comunista e que vive uma vida desregrada, mas cheia de aventuras. Embora se encontrem com frequência no mesmo parque, os dois são como água e azeite e, algumas vezes, chegam às vias de fato nas muitas discussões que eles próprios constroem.
Sabe-se que Eduardo Blanco e Luiz Brandoni interpretaram os dois velhinhos por muito tempo em teatros na Argentina, sempre com muito sucesso. Não é pra menos. O roteiro é rico, bem construído e as situações apresentadas ao espectador sempre surpreendem. Nunca se sabe do que o ardiloso León Schwartz vai ser capaz de aprontar.
A história é quase toda em cima dos diálogos dos dois personagens, mas nunca cansativa. Outros atores e atrizes entram como coadjuvantes em raros momentos, servindo apenas como escada para a dupla. Destacam-se Verônica Pelaccini como Clarita, filha de León, e Augustin Aristarán como Gonzalo, o sindico do edifício onde Antônio trabalha.
Mas que ninguém se engane: nem só de risadas vive o espectador de "Parque Lezama". Há momentos de muita ternura e amizade, além, claro, de esbarrões em questionamentos muito reais sobre a velhice e suas inevitáveis consequências e dificuldades.
É possível envelhecer sem se tornar um peso para os filhos? Pode-se ficar velho e, ao mesmo tempo, independente? O filme está em cartaz no Netflix.
Ficha técnica: Direção e roteiro: Juan José Campanella Exibição: Netflix Duração: 1h55 Classificação: 14 anos País: Argentina Gêneros: drama, comédia
Tom Blyth é um policial que trabalha disfarçado para prender homens que praticam atos sexuais no banheiro de um shopping até conhecer Russell Tovey (Fotos: Divulgação)
Eduardo Jr.
Seja você integrante ou não da comunidade LGBTQIAPN+, será difícil não ser impactado - para o bem e para o mal - com “À Paisana” ("Plainclothes"). O filme marca a estreia do diretor norte-americano Carmen Emmi, que aposta em poluição visual, momentos de agitação e no embate entre dever e desejo para rechear seu primeiro longa.
No filme, Lucas (vivido por Tom Blyth) é um policial que trabalha disfarçado para prender, por meio da sedução, homens que praticam atos sexuais no banheiro de um shopping.
Mas precisa lidar com o segredo da própria sexualidade, que passa a ser mais fortemente provocada quando conhece Andrew (Russell Tovey), um dos homens que ele poderia levar para a prisão.
Mas este resumo não exprime a estética maluca que o longa estampa na tela. Já de saída o protagonista segura um envelope em uma cena “limpa”. A imagem muda para câmeras similares às de circuito fechado de segurança, que parecem vigiar o policial e os homens que transitam pelo centro comercial.
Daí as lentes retornam para texturas mais atuais, até se tornarem um mosaico de imagens típico das câmeras caseiras de décadas atrás. Lamentavelmente, não fica claro se essa confusão de imagens é questão de estilo ou se é cinema experimental feito com equipamentos emprestados.
O espectador então percebe que a direção pretende levar a história por duas linhas temporais. Em uma, as memórias revelam o caminho trilhado por Lucas até aquele momento.
Na outra, o “momento presente”, na festa de ano novo na casa da mãe, nos anos 1990 (é possível chegar a essa conclusão também por conta da barba do contido protagonista).
E no castrador ambiente doméstico, ele parece calcular seus movimentos e reações, escondendo de todos um segredo que reluta em contar. A tensão de estar prestes a ser descoberto alcança o espectador.
Pode até parecer que vai se desenrolar um filme clichê, mas os elementos apresentados até este momento são fragmentos de surpresas que virão. Além disso, é interessante ver como as cenas de “pegação” no banheiro são tensas e claustrofóbicas, puxando uma fila de cenas ágeis, barulhentas e de luz estourada… até que a próxima prisão se transforma em paixão.
Com Andrew em cena, o frenesi da vida de Lucas encontra paz. É quando a agitação paralisa na calma do toque. Quando o sexo dá espaço à conversa para que ambos se sintam mais à vontade.
Já vimos isso antes, mas o mistério é figura presente e nos mantém presos na história do possível casal, e atentos ao jovem que deseja conhecer mais do homem que é objeto de seu desejo, mas não se conhece nem se aceita integralmente.
Você já deve estar imaginado se o casal ficará junto, se haverá a revelação de um grande segredo… mas digo a vocês: o longa reserva outros plots que vão ultrapassar esses clichês.
Será uma boa escolha acessar a plataforma Filmelier+ no dia 02 de abril para descobrir, com exclusividade, porque “À Paisana” foi o vencedor do prêmio especial do júri no Festival de Sundance 2025.
Ficha técnica:
Direção e roteiro: Carmen Emmi Produção: Magnolia Pictures Exibição: plataforma Filmelier+ Duração: 1h35 Classificação: 16 anos País: EUA Gêneros: drama, suspense
Zar Amir Ebrahimi e Arienne Mandi são treinadora e atleta que travam uma disputa nos bastidores do Campeonato Mundial de Judô (Fotos: Kajá Filmes)
Wallace Graciano
Há uma tendência perigosa (e até um pouco estressante) no cinema contemporâneo de confundir minimalismo com falta de recursos. No entanto, em "Tatame", o que vemos é a utilização da restrição como uma arma narrativa de precisão cirúrgica.
Codirigido por Zar Amir Ebrahimi (Melhor Atriz no Festival de Cannes por “Holy Spider”) e Guy Nattiv, o longa, que chega ao Brasil nesta quinta-feira (2), mas foi lançado em 2023, é um bom exemplo de como o drama esportivo pode ser subvertido em um thriller psicológico de alta voltagem política.
Se você, como eu, já vestiu um judogui, sabe que campeonatos da “arte suave” não são decididos apenas no Tatame, mas também nos bastidores. E é isso que circunda a película, que se passa em um Campeonato Mundial de Judô.
Nela, acompanhamos Leila (Arienne Mandi), uma atleta iraniana cujo maior adversário são os telefonemas frenéticos de sua treinadora, Maryam (interpretada pela própria Zar Amir), que ecoam as ordens autoritárias do regime de Teerã: simular uma lesão ou abandonar a disputa para evitar um confronto direto com uma oponente israelense.
A tensão geopolítica misturada com o medo do adversário que a aguarda ficam ainda mais escancarados com a escolha por uma tela de aspect ratio 4:3 e pela fotografia em preto e branco.
Assim, não há horizonte ou respiro das cores, há apenas o suor, o grão da imagem e o enquadramento claustrofóbico que mimetiza a vigilância constante que a protagonista passa. E com isso, a película ganha um aspecto sensorial, onde somos convidados para sentir a tensão a cada novo frame.
Aliado ao aspecto técnico de filmagem, a performance de Arienne Mandi é exemplar como um judoca que trabalhou todo seu kata rumo a uma competição de vida ou morte. Ela transita da determinação ao desespero absoluto com uma sutileza que evita o melodrama barato. Isso é raro!
Já Zar Amir Ebrahimi entrega uma Maryam complexa: ela é, ao mesmo tempo, a mentora que empurra Leila ao topo e o canal através do qual o medo sistêmico flui.
A dinâmica entre as duas é o coração pulsante da obra, revelando como a opressão não apenas esmaga o indivíduo, mas corrói os laços de confiança e solidariedade feminina em prol da sobrevivência.
O que achei do filme
"Tatame" vai bem longe do pieguismo dos filmes de superação hollywoodianos. Ele entende que, em certos contextos geopolíticos, a vitória esportiva é um ato de insurreição que cobra juros impagáveis na vida pessoal.
O filme acerta ao não ser meramente panfletário; ele é humano. É sobre o peso de carregar uma bandeira que, em vez de proteger o atleta, serve apenas para sufocá-lo.
É um cinema de urgência, necessário e, acima de tudo, corajoso.
Prós:
- Atuações viscerais de Arienne Mandi e Zar Amir Ebrahimi.
- Uso inteligente do formato 4:3 para gerar claustrofobia.
- Roteiro que transforma um dilema político em um suspense de tirar o fôlego.
Contras:
Certa redundância visual no uso excessivo de closes nos primeiros atos.
Nota Final: 4 (0 a 5)
Ficha técnica: Direção: Guy Nattiv e codireção de Zar Amir Ebrahimi Produção: West End Films Distribuição: Kajá Filmes Exibição: nos cinemas Duração: 1h45 Classificação: 14 anos Países: Irã e Israel Gêneros: drama, esporte
Longa é baseado na biografia de Mohamend Bida, ex-chefe de segurança da embaixada da França no Afeganistão na época da ocupação (Fotos: California Filmes)
Eduardo Jr.
As cenas do Talibã tomando Cabul e retirando direitos das mulheres são de 2021, mas devem estar frescas na memória de muita gente. O que pouco se viu e se fala é sobre a negociação e a retirada de franceses do Afeganistão.
Este é o mote de “13 Dias, 13 Noites” ("13 Jours, 13 Nuits"), do diretor Martin Bourboulon ("Os Três Mosqueteiros: D'Artagnan" - 2023). Distribuído pela California Filmes, o longa estreia nos cinemas brasileiros no dia 26 de março.
A obra é baseada no livro autobiográfico do comandante Mohamend Bida, que foi chefe de segurança da embaixada da França em território afegão na época.
A história mostra franceses e afegãos buscando abrigo e tentando deixar o território. A missão de Bida é levar o grupo de quase 500 pessoas até o aeroporto para escaparem de uma Cabul dominada pelo Talibã.
Sim, é um filme de guerra. Mas não se engane com as cenas em dias claros ou com a tela preenchida por cores. Por trás disso está a tensão que deixa o espectador na ponta da cadeira.
As conversas sussurradas, os personagens que surgem e não se sabe se são de confiança… tudo é motivo para esperar o pior.
O protagonista Bida (vivido Roschdy Zem) canaliza essa tensão, que aparentemente impacta até sua vida pessoal. Não por acaso apresenta um semblante carregado e quase nenhum sorriso.
Ele é quem se esforça para proteger agentes ameaçados pelo Talibã, que enfrenta o perfil burocrata do embaixador e tenta garantir a sobrevivência do maior número possível de cidadãos.
Alcançar esse objetivo demanda negociar com colegas militares, dialogar com o inimigo, enfrentar conversas que podem ser encerradas a bala, e superar traições e artifícios que podem deflagrar uma guerra entre países.
Ação e suspense se unem ao contexto político para criar uma obra muito interessante. O longa foi indicado ao Cesar na categoria de Melhor Montagem. Mais um incentivo para ir aos cinemas e conferir a produção.
Ficha Técnica: Direção: Martin Bourboulon Roteiro: Martin Bourboulon e Alexandre Smia, com colaboração de Trân-Minh Nam Produção: Chapter 2 e coprodução de Pathé Films e M6 Films Distribuição: California Filmes Duração: 1h52 Países: França e Bélgica Gêneros: biografia, drama, ação, guerra
Eloy Pohu e Maksym Slivinskyi são colegas num canteiro de obras onde trabalham como pedreiros e criam uma amizade que vai além do trabalho (Fotos: Mares Filmes)
Patrícia Cassese
Há um ponto importante a preceder a análise de "Enzo", produção francesa que entra agora em cartaz na cidade. É que, já com o projeto em curso, o diretor Laurent Cantet teve que lidar com o agravamento do seu quadro de saúde, em função de um câncer.
Consciente de seu pouco tempo de vida, ele teria chegado a aventar o arquivamento do projeto. A ideia, no entanto, foi refutada pelo seu parceiro de trabalho de toda vida, o também diretor Robin Campillo ("120 Batimentos por Minuto"), que, no quarto de um hospital, manifestou o desejo de tocar a empreitada.
Cantet faleceu aos 63 anos, em abril de 2024. Com absoluto respeito ao caminho já delineado pelo amigo - a quem havia conhecido quatro décadas antes -, Campillo seguiu resoluto e, assim, no ano passado, o filme, enfim, chegou às salas exibidoras na Europa.
"Enzo" se filia ao escaninho dos filmes que lançam um olhar sobre o rito de passagem da adolescência para a vida adulta por meio do personagem citado no título, um garoto de 16 anos (vivido por Eloy Pohu).
Ele surge pela primeira vez em cena sendo repreendido pelo ritmo lento com o qual executa suas tarefas como aprendiz de operário em uma casa em construção.
Sem paciência com o jovem, Corelli, o chefe de obras, resolve levá-lo de carro de volta à casa, de modo a conversar seriamente com os pais sobre o fraco desempenho do subordinado.
Ao chegar ao destino, porém, Corelli é impactado por uma realidade à qual de modo algum esperava: é que Enzo mora em uma casa idílica, sofisticada, cool, debruçada sobre a riviera francesa (o filme se passa em La Ciotat, comuna francesa localizada na região da Provença-Alpes-Costa Azul, no sul do país).
Inclusive, no momento em que adentra a casa, Corelli, desconcertado, vislumbra os pais do menino a se refestelar na piscina, que, vale dizer, circunda toda a casa.
Simpáticos no último grau, Paolo (Pierfrancesco Favino, ator italiano que já tem um rosto conhecido no Brasil) e Marion (Élodie Bouchez), os genitores, desconcertam Corelli.
Ao mesmo tempo, ele não consegue entender o que levou um jovem de status tão elevado a se candidatar ao posto de um mero aprendiz num canteiro de obras, cargo nada atraente a pessoas da elite.
A mesma dúvida acompanha o público, mas, no encaminhamento da trama, algumas pistas são lançadas. Ocorre que Enzo simplesmente não encontra seu lugar no mundo, o que pode soar natural na faixa etária em que o personagem se encontra.
O diferente, aqui, é que o adolescente refuta veementemente o status da família, de modo que, na sequência, quando os colegas de obra manifestam desejo de ir à piscina, ele frisa que a casa não é dele, mas, sim, dos pais. Do mesmo modo, Enzo abandona a escola, por não se sentir confortável inserido no sistema tradicional de ensino.
Compreensivos, os pais de Enzo até tentam com que ele se valha dos seus inequívocos dotes artísticos para, quem sabe, seguir uma carreira neste campo, o que o garoto também descarta.
O jovem está empenhadíssimo em continuar atuar no campo da construção, mas como operário. A todo tempo, aliás, Enzo questiona os privilégios que desfruta, inclusive em tempos nos quais guerras acontecem em outras partes do mundo.
Principalmente mediante o contato com dois colegas ucranianos, no citado canteiro de obras. Por meio dos relatos dele, passa inclusive a mergulhar no conflito, não só questionando se ambos não deveriam voltar para casa e lutar pelo país como manifestando o insólito desejo de ir junto e estar no front.
Neste ponto, Vlad (Maksym Slivinskyi), um dos ucranianos, questiona o arroubo do garoto, posto que nem ele entende que deva sair naquele momento da França. Em resposta, Enzo surpreende ao dizer que se sentiria seguro ao lado do colega.
A verdade é que, além do estranhamento quanto ao status que sua família ocupa em um mundo em desencanto, Enzo também está às voltas com questões ligadas à sexualidade. Assim, ao mesmo tempo em que no curso do filme investe em flertes com garotas de sua faixa etária, vai se conectando cada vez mais a Vlad.
A trama vai se desenrolando temperada pelos pensamentos críticos de Enzo - em determinado momento, por exemplo, ele se pergunta de que adiantaria o luxo alcançado pela família (e refletido pela beleza idílica da casa) se um tsunami ocorresse no local e a destroçasse por completo.
E por pinceladas de momentos nos quais o público vai prender o fôlego ante a iminência de uma tragédia, como quando ele se deita à beira de um precipício ou quando frustra os planos do pai para o final de semana e se mete em aventuras com os companheiros de obra.
Um detalhe importante é que Eloy Pohu não é um ator de formação. De acordo com matérias publicadas em jornais franceses, ele se dirigiu ao local dos testes apenas para acompanhar o irmão, esse sim, candidato.
Mas foi justamente sua inexperiência e sua performance contida que conquistou a produção, que enxergou, ali, o intérprete perfeito - mesmo porque, Enzo é um personagem predominantemente introspectivo, ensimesmado, contido...
Quando os fatores externos o abalam, aí sim, é capaz de atitudes extremas, como a que irrompe na festa de despedida do irmão mais velho, que está para partir rumo a Paris, após conquistar uma bolsa, para orgulho dos pais.
O filme - e isso não é um spoiler - termina em aberto, mostrando que, tal como no mundo real, principalmente quando se é jovem (mas não só), a possibilidade de recalcular rotas se faz presente, ainda que o acerto ou desacerto estejam no espectro das possibilidades.
Há que se dizer que o "Enzo" é um filme intimista, centrado, como já dissemos, no torvelinho que habita esse jovem. Portanto, que ninguém espere um filme centrado em ações - ainda que, claro, elas estejam na narrativa.
Por último, mas não menos importante, Cantet é o nome por trás de um filme que fez história ao mostrar a realidade de jovens da periferia de Paris por meio de "Entre os Muros da Escola" (2008), vencedor da Palma de Ouro do Festival de Cannes naquele ano. O longa é simplesmente imperdível, e pode ser assistido pelos assinantes do Prime.
Outro dos filmes dele exibidos nos cinemas do Brasil e atualmente disponível no Google Play é "Em Direção ao Sul" (2005), estrelado por ninguém menos que Charlotte Rampling, e que aborda o turismo de teor sexual - no caso, tendo o Haiti como cenário.
Ficha técnica:
Direção e roteiro: Robin Campillo e Laurent Cantet Distribuição: Mares Filmes Exibição: Una Cine Belas Artes Duração: 1h42 Classificação: 16 anos Países: França, Itália, Bélgica Gênero: drama
Filme protagonizado por Leonardo DiCaprio teve disputa acirrada com "Pecadores" e "Frankenstein" em número de estatuetas conquistadas (Fotos: Divulgação)
Maristela Bretas
Com seis prêmios conquistados entre 13 indicações, incluindo o principal da noite, Melhor Filme, “Uma Batalha Após a Outra” foi o grande vencedor da 98ª edição do Oscar 2026.
A produção, dirigida por Paul Thomas Anderson, também levou as estatuetas de Melhor Direção, Melhor Direção de Elenco, Melhor Ator Coadjuvante, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Edição.
O segundo filme mais premiado da noite foi “Pecadores”, que liderava a lista de indicações com 16 nomeações, mas só levou quatro estatuetas. As duas produções são da Warner Bros. Pictures.
Na sequência, em número de prêmios o vencedor foi “Frankenstein”, da Netflix, com três. Apesar de contar com cinco indicações, o Brasil não venceu em nenhuma categoria.
"Uma Batalha Após a Outra" (Crédito: Warner Bros Pictures)
Cerimônia
A cerimônia começou com uma montagem reunindo cenas dos filmes indicados a Melhor Filme. Em seguida, o comediante Conan O’Brien, fantasiado de Gladys Lilly — personagem de Amy Madigan em “A Hora do Mal” — surgiu fugindo de um grupo de crianças, em referência a uma cena do longa.
Ao chegar ao palco do Dolby Theatre, em Los Angeles, já sem a fantasia, o apresentador iniciou oficialmente a transmissão, apresentando cada um dos indicados com comentários bem-humorados e irônicos.
"A Hora do Mal" (Crédito: Warner Bros. Pictures)
A primeira estatueta da noite foi entregue por Zoe Saldana, que anunciou Amy Madigan como vencedora de Melhor Atriz Coadjuvante em "A Hora do Mal".
A atriz também revelou o ganhador de Melhor Animação, “Guerreiras do K-Pop”, produção que já vinha acumulando prêmios ao longo da temporada.
Na categoria Melhor Curta de Animação, o vencedor foi “The Girl Who Cried Pearls”, animação canadense em stop-motion.
O primeiro número musical da cerimônia foi “I Lied to You”, do filme “Pecadores”, cuja apresentação encantou a plateia ao reproduzir fielmente uma das cenas do longa.
"Guerreiras do K-Pop" (Crédito: Netflix)
“Frankenstein” também marcou presença ao conquistar três prêmios técnicos: Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Maquiagem e Cabelo.
Wagner Moura, Gwyneth Paltrow, Delroy Lindo e Chase Infiniti entregaram o prêmio de Melhor Direção de Elenco, categoria que estreou nesta edição do Oscar. A vencedora foi Cassandra Kulukundis, por “Uma Batalha Após a Outra”. Essa era uma das categorias nas quais o Brasil concorria.
Um dos momentos curiosos da noite aconteceu na categoria Melhor Curta-Metragem, que terminou em empate — algo raro na história do Oscar. As estatuetas foram para o norte-americano “The Singers” e para a produção franco-americana “Two People Exchanging Saliva”.
Sean Penn - "Uma Batalha Após a Outra" (Crédito: Warner Bros. Pictures)
Kieran Culkin anunciou o vencedor de Melhor Ator Coadjuvante, prêmio concedido a Sean Penn, por “Uma Batalha Após a Outra”. O ator não compareceu à cerimônia.
Os atores Chris Evans e Robert Downey Jr. entregaram o prêmio de Melhor Roteiro Adaptado a Paul Thomas Anderson, também diretor do filme vencedor da noite. Na categoria Melhor Roteiro Original, sem grandes surpresas, Ryan Coogler venceu por “Pecadores”.
"Pecadores" (Crédto: Warner Bros. Pictures)
Homenagens póstumas
Como em edições anteriores, o Oscar prestou homenagem aos profissionais do cinema falecidos em 2025. Billy Crystal conduziu o momento inicial, lembrando o diretor Rob Reiner e sua esposa, Michele Singer Reiner.
Rachel McAdams falou sobre as perdas femininas no cinema, destacando especialmente Diane Keaton, de quem era amiga pessoal.
Barbra Streisand emocionou o público ao lembrar o amigo e parceiro Robert Redford, com quem atuou no clássico “Nosso Amor de Ontem” (1973). Ela destacou a importância do ator dentro e fora das telas e encerrou a homenagem cantando “The Way We Were”, música vencedora do Oscar na época.
"Frankenstein" (Crédito: Netflix)
Sigourney Weaver e Pedro Pascal também participaram da cerimônia com uma apresentação bem-humorada sobre extraterrestres no cinema, com direito à presença de Groku na plateia.
Eles anunciaram o prêmio de Melhor Direção de Arte, vencido por “Frankenstein”. Já “Avatar: Fogo e Cinzas” conquistou Melhores Efeitos Visuais.
O polêmico e emocionante “Quartos Vazios” venceu Melhor Documentário em Curta-Metragem, prêmio anunciado por Jimmy Kimmel, que também revelou o vencedor de Melhor Documentário, “Mr. Nobody Against Putin”.
"Avatar: Fogo e Cinzas" (Crédito: 20th Century Studios)
“Pecadores” levou sua segunda estatueta ao vencer Melhor Trilha Sonora Original. O prêmio foi entregue pelas atrizes Kristen Wiig, Maya Rudolph, Melissa McCarthy e Rose Byrne, que também anunciaram “F1 – O Filme” como vencedor de Melhor Som.
A quarta estatueta de “Uma Batalha Após a Outra” foi entregue por Bill Pullman e seu filho, Lewis Pullman, na categoria Melhor Edição.
Demi Moore anunciou Autumn Durald como vencedora de Melhor Fotografia por “Pecadores”, tornando-se a primeira mulher negra a conquistar o prêmio. Ela foi aplaudida de pé por diversas mulheres presentes na plateia. O brasileiro Adolpho Veloso também concorria na categoria por seu trabalho em “Sonhos de Trem”.
"F1 - O Filme" (Crédito: Warner Bros Pictures)
Ao lado de Priyanka Chopra, Javier Bardem iniciou sua participação pedindo o fim da guerra e destacando a importância da Palestina. Em seguida, anunciou “Valor Sentimental” como vencedor de Melhor Filme Internacional, superando o brasileiro “O Agente Secreto”.
Lionel Richie subiu ao palco para confirmar “Golden”, da animação “Guerreiras do K-Pop”, como Melhor Canção Original, garantindo a segunda estatueta para a produção.
Paul Thomas Anderson também venceu Melhor Direção, prêmio entregue por Robert Pattinson e Zendaya, consolidando “Uma Batalha Após a Outra” como o grande destaque da noite.
"O Agente Secreto" (Crédito: Cinemascópio Produções)
O prêmio de Melhor Ator ficou com Michael B. Jordan, por sua dupla atuação em “Pecadores”. O brasileiro Wagner Moura também estava entre os indicados, ao lado de Leonardo DiCaprio.
Por fim, Ewan McGregor e Nicole Kidman anunciaram o momento mais esperado da noite: “Uma Batalha Após a Outra” como Melhor Filme do Oscar 2026, encerrando a cerimônia consagrando a produção como a grande vencedora da edição.
Jessie Buckley - “Hamnet: A Vida Antes de Hamlet” (Crédito: Focus Feature)
Confira os vencedores por categoria:
MELHOR FILME "Uma Batalha Após a Outra"
MELHOR DIREÇÃO Paul Thomas Anderson - "Uma Batalha Após a Outra"
MELHOR ATRIZ Jessie Buckley - "Hamnet: A Vida Antes de Hamlet"
MELHOR ATOR Michael B. Jordan - "Pecadores"
MELHOR FOTOGRAFIA "Pecadores"
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE Amy Madigan - "A Hora do Mal"
MELHOR ATOR COADJUVANTE Sean Penn - "Uma Batalha Após a Outra"
MELHORES EFEITOS VISUAIS
"Avatar: Fogo e Cinzas"
MELHOR ANIMAÇÃO "Guerreiras do K-Pop"
"Quartos Vazios" (Crédito: Divulgação)
MELHOR DOCUMENTÁRIO EM CURTA-METRAGEM "Quartos Vazios"
MELHOR SOM "F1 - O Filme"
MELHOR EDIÇÃO "Uma Batalha Após a Outra"
MELHOR DOCUMENTÁRIO "Mr. Nobody Against Putin"
MELHOR DIREÇÃO DE ARTE "Frankenstein"
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL "Golden', de "Guerreiras do K-Pop"
"Valor Sentimental" (Crédito: Mubi)
MELHOR FILME INTERNACIONAL "Valor Sentimental" - Noruega
MELHOR FIGURINO
"Frankenstein"
MELHOR DIREÇÃO DE ELENCO Cassandra Kulukundis - "Uma Batalha Após a Outra"
MELHOR ROTEIRO ORIGINAL "Pecadores"
MELHOR ROTEIRO ADAPTADO "Uma Batalha Após a Outra"
MELHOR CURTA-METRAGEM (empate) "The Singers" "Two People Exchanging Saliva"
MELHOR ANIMAÇÃO DE CURTA-METRAGEM "The Girl Who Cried Pearls"
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