"The Chosen: Os Escolhidos" - 4ª temporada eleva o nível em qualidade e narrativa

Os dois primeiros episódios da série religiosa estão em primeira exibição somente nos cinemas
(Fotos: Divulgação)

Marcos Tadeu
Narrativa Cinematográfica

Provando ser um sucesso, de crítica e público, é visível como a série norte-americana "The Chosen: Os Escolhidos" ("The Chosen") tem ganhado mais popularidade e está no catálogo da Netflix com suas três temporadas. 

Este sucesso, inspirado nos Evangelhos dos discípulos de Jesus, chegou também aos cinemas com os dois primeiros episódios da quarta temporada disponíveis nas salas do Cinemark Pátio Savassi e Cinépolis Estação BH.

A série é notável por ser financiada por meio de crowdfunding e por ter um modelo de distribuição incomum, sendo lançada diretamente em aplicativos móveis e plataformas de streaming. 

"The Chosen" ganhou uma base de fãs significativa, com muitos elogiando sua representação única e emocional da vida de Jesus Cristo. Alcançou milhões de visualizações em todo o mundo e recebeu opiniões positivas de espectadores e críticos. 

Antes do início da 4ª temporada recebemos um aviso de seu criador da série, Dallas Jenkins, que nos situa que o nível de zelo, maestria, cenários e principalmente história, está em um nível maior de qualidade. 

Se na 3ª temporada Jesus chamava todos que estavam cansados e sobrecarregados, nessa é ele quem está cansado e toma decisões importantes frente aos seus discípulos.

Somos contextualizados com João Batista, que batizou Jesus, anunciando a chegada de Cristo, com costumes estranhos de alimentação de mel silvestre e gafanhotos. Como a narrativa faz isso de forma poética, destaque para a montagem que muito me lembra “This Is Us”, destacando momentos desde o seu nascimento até a sua morte.

Outro destaque da temporada é a tensão entre Jesus e o Império Romano que começa a questionar seus feitos e milagres. Não é bem visto pelos nobres que o chamado Filho de Deus venha e ande entre os pobres. Os romanos esperavam uma figura divina de pompa e força e não um cara simples e humilde. 

Sem dúvida, o destaque vai para Jonathan Roumie que interpreta Jesus de Nazaré em uma figura 'gente como a gente', um homem simples de família humilde, filho de carpinteiro. Ele transmite paz, mas que também consegue arrancar risos no público em sua relação com os discípulos.

Judas Iscariotes, interpretado por Luke Dimyan, também é outro que chama atenção. Se na temporada anterior, ele era um discípulo que admirava Jesus, agora começa a questionar seus feitos, sua presença na Terra e seu propósito. São os primeiros sinais de que irá trair o Mestre.

Deixa a desejar talvez a falta de mais tensão e ritmo para prender os espectadores no cinema. As cenas e os conteúdos são muito belos, porém se houvesse mais ação durante os acontecimentos, a temporada teria mais fôlego. Vale lembrar que ainda estamos no íncio, as coisas podem mudar e ficar mais agitadas.

“The Chosen” começa bem nesta nova temporada e por estar chegando nas redes de cinema e sendo melhor distribuído, mais pessoas terão acesso à produção sobre a vida de Jesus. 

Sem dúvida é indicado para quem nunca se aprofundou na história do Filho de Deus e também para quem a conhece. É, sem dúvida, um material feito com zelo e muito carinho, de um projeto religioso que começou pequeno e cresceu bastante.

Ficha técnica:

Criador, diretor e roteirista: Dallas Jenkins
Produção: Angel Studio
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: salas do Cinemark Patio Savassi (21h30), Cinépolis Estação BH (21h45). As temporadas 1, 2 e 3 estão disponíveis legendadas e gratuitas no site https://watch.thechosen.tv/, no aplicativo "The Chosen", encontrado na Apple Store e Play Store, e também na Netflix.
Duração: 2h21 (os dois primeiros episódios da 4ª Temporada)
Classificação: 12 anos
País: EUA
Gêneros: drama épico, série, histórico

“Imaginário: Brinquedo Diabólico” comprova que o cinema não precisava de outro brinquedo assassino

Na trama, um ursinho de pelúcia atormenta a família de sua antiga dona que o abandonou na infância quando se mudou da casa (Fotos: Lionsgate/Divulgação)

Larissa Figueiredo

Estreando nesta quinta-feira nos cinemas, o terror "Imaginário: Brinquedo Diabólico" ("Imaginary") traz a aposta de um novo brinquedo assassino repleto de lugares comuns do gênero do terror misturado a um humor que permeia o “trash”. A nova produção da Blumhouse, em parceria com a Lionsgate, é dirigida por Jeff Wadlow. 

A trama narra o dilema de Jessica (DeWanda Wise, que também é produtora executiva do filme), uma ilustradora recém-casada que decide retornar à sua antiga casa da infância com o marido Max (Tom Payne) e as duas filhas dele. 

Quando chegam ao local, a mais jovem, Alice (Pyper Braun), fica apegada a Chauncey, um ursinho de pelúcia que ela encontra no porão. Apesar de a interação parecer divertida no início, não demora muito para as coisas ficarem sinistras. 

O brinquedo desafia a menina em um jogo de caça tesouros macabro que é a chave para um mundo de imaginação, literalmente. Segredos sobre a infância de Jessica começam a vir à tona quando ela percebe que o amigo imaginário de sua enteada é o mesmo que a acompanhou em sua infância e que se tornou muito infeliz por ter sido abandonado.

A produção, apesar de fazer parte do leque de apostas da Blumhouse, passou longe do sucesso de “M3gan” (2022), "Telefone Preto" (2022), "O Homem Invisível" (2019), o clássico “Corra!” (2017) e o recente “Five Nights At Freddy’s” (2023). Os efeitos visuais, além de não impactarem e não cumprirem sua função enquanto parte do gênero terror, perdem o “timing” em cena. Eles permanecem em tela para além da finalidade do susto propriamente dito, fazendo com que o espectador se acostume com o que deveria ser extraordinário. 

O filme deixa a desejar também nas cenas de ação. Não há luta pela sobrevivência nem grandes doses de violência. Tudo se resolve na força do roteiro e no superpoder da amizade entre as protagonistas, que evadem de situações complexas sem muitas explicações. Aliás, o roteiro deixa a desejar no quesito originalidade, não há nada de inovador em "Imaginário: Brinquedo Diabólico". 

Fora o clímax do longa, todo o resto caminha em um ritmo lento, repleto de informações dispensáveis que não são explicadas no desenrolar da obra, como o paradeiro da mãe das enteadas de Jesus. O que aconteceu com ela antes que as meninas se mudassem? Será que havia relação com o brinquedo? O filme não esclarece, apenas deixa indícios de que ela teria enlouquecido. 

Dois plot twists interessantes definitivamente salvaram o longa da monotonia total e trazem certa emoção e curiosidade à obra.

Ficha técnica

Direção: Jeff Wadlow
Produção: Blumhouse, Lionsgate
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas das redes Cineart e Cinemark e no Cinépolis Estação BH
Duração: 1h45
Classificação: 12 anos
País: EUA
Gêneros: terror, suspense

"Chama a Bebel" convoca o público para uma transformação social

Produção infanto-juvenil estrelada por Giulia Benite usa história comum para conscientizar sobre combate ao preconceito e preservação da natureza (Fotos: Paris Filmes)

Marcos Tadeu
Narrativa Cinematográfica

Dirigido por Paulo Nascimento e protagonizado por Giulia Benite (a Mônica, de "Turma da Mônica - Laços" - 2019 e "Turma da Mônica - Lições" - 2021), "Chama a Bebel" chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (11) contando a história de uma adolescente preocupada com causas ambientais e sociais. O filme é uma narrativa inteligente com uma mensagem positiva, direcionada especialmente ao público adolescente.

Na trama, conhecemos Bebel (Giulia Benite), uma garota linda e brilhante, cadeirante, que precisa sair do interior com sua mãe e avó para viver na cidade grande com a tia. Nossa protagonista é confiante e sincera, sem medo do perigo, que conquista o público desde a primeira cena. 

Enfrentando um ambiente novo e desconhecido, desafia até mesmo a garota mais popular do colégio e um empresário da cidade que faz testes laboratoriais em animais para defender as causas em que acredita.  

Mariana, a mãe de Bebel, interpretada por Larissa Maciel, e Seu João, o avô vivido por José Rubens Chachá, são doces em atuações graciosas e leves. Os garotos Antônio Zeni e Gustavo Coelho também formam um time de coadjuvantes brilhantes, dando suporte significativo aos personagens Beto e Zico.

Algumas figuras antagônicas, como a tia Marieta, interpretada por Flávia Garrafa, conseguem criar personagens que despertam prazer em ser odiada. A atriz dá um show de atuação, entregando uma pessoa com postura tão arrogante, mesquinha e sempre preconceituosa com a sobrinha que faz o espectador sentir raiva dela. 

Outra odiada até no time dos vilões é Roxxane ou Rox, papel de Sofia Cordeiro. Chata e enjoada, a jovem é a típica patricinha mimada, filha de um magnata importante da cidade. Apesar do personagem estereotipado, a atriz consegue transmitir bem essa característica antipática, embora, em alguns momentos, pareça robótica em seu texto. 

A temática é outro ponto importante a mencionar. Bebel transmite uma mensagem sobre vencer o preconceito, preservar a natureza, cuidar dos animais e criar formas sustentáveis de viver na cidade. 

Ela é a típica mocinha dos filmes, no sentido literal da palavra, defensora da moral e dos bons costumes. Isso incomoda quem é oposto a essas causas, mas também desperta curiosidade. O papel da jovem é gerar transformação em todos ao seu redor e também no público. 

O filme ajuda a colaborar para a conscientização das pessoas sobre a importância em preservar o meio ambiente e a sustentabilidade. Mas a insistência no tema também pode afastar alguns espectadores que vão achar a "protagonista chata" e faz com que os conflitos pessoais dos protagonistas sejam pouco explorados. O longa até termina de maneira interessante, mas poderia entrar mais na história da personagem principal. Não direi muito para não entrar em "spoilers".

"Chama a Bebel" é uma daquelas produções "surpresa" que você não espera nada, mas sai com uma mensagem positiva da sala de cinema. Indico para todos os públicos por abordar a necessidade de inclusão, tanto racial quanto de Pessoas Com Deficiência (PCDs). É bem direcionada e isso, sem dúvida, é mérito do diretor. Um longa para ser visto por toda a família, que leva à reflexão sobre temas que não devem ser deixados de lado em 2024.

Ficha Técnica:

Direção e roteiro: Paulo Nascimento
Produção: Accorde Filmes
Distribuição: Paris Filmes
Duração: 1h30
Classificação: 14 anos
Exibição: nos cinemas
País: Brasil
Gêneros: aventura, infanto-juvenil, família

Tatá Werneck e Ingrid Guimarães têm a química perfeita do humor em "Minha Irmã e Eu"

Longa dirigido por Susana Garcia é muito divertido, tem emoção e ainda atores e cantores tarimbados do passado e do presente
(Fotos: Paris Filmes)

Maristela Bretas

Garantia de boas gargalhadas e também momentos de emoção. Ingrid Guimarães e Tatá Werneck têm a química perfeita para divertir o público na comédia "Minha Irmã e Eu", em cartaz nos cinemas. São quase duas horas de trapalhadas, diálogos escrachados, com duplo e até triplo sentido e situações tão ridículas que fica impossível não rir (e muito).

A diretora Susana Garcia ("Minha Mãe é Uma Peça 3" - 2019, "Minha Vida em Marte" - 2018) acertou novamente na escolha do elenco e do roteiro, entregando um longa que deixa a gente leve quando sai do cinema, especialmente pela interpretação das duas comediantes protagonistas. 

Tatá interpreta Mirelly, a irmã caçula, que mora no Rio de Janeiro, se passa por descolada, amiga de famosos, vivendo de luxo e glamour. Puro "fake". 

Mentirosa compulsiva, mora num "apertamento", vive de bicos pra se sustentar e faz postagens arranjadas para se dar bem nas redes sociais. Ela é a mais doida das duas, mas também a que entrega as cenas e diálogos mais divertidos do filme.

Ingrid é Mirian, a mais velha, que nunca saiu de Rio Verde no interior de Goiás, vive para o lar, é casada com Jayme (Márcio Vito), tem dois filhos - Jayme Jr. e Marcelly - e cuida da mãe Dona Márcia, a tarimbada Arlete Salles. 

Mirian representa bem a esposa certinha, mas insatisfeita, que gostaria de ter a vida da irmã, apesar de estar sempre às turras com ela. E para desilusão de Dona Márcia, as filhas nunca realizaram seu sonho de formarem uma dupla sertaneja.

As duas quase não se encontram, até que uma discussão no lugar errado e na hora errada entre as irmãs leva Dona Márcia a desaparecer. Começa aí o Road movie de Miriam e Mirelly.

Em busca da mãe perdida, a dupla vai percorrer as estradas de Goiás de carro, a pé, de bicicleta, em caminhão pau-de-arara, o transporte que aparecer na hora. E por onde passam, vão deixando um rastro de boas risadas.

Bastariam as duas atrizes para o filme ter tudo para ser bom, mas o elenco ainda ganha peso com a participação de Lázaro Ramos e Taís Araújo, no papel deles mesmos, o grande Antônio Pedro, que infelizmente morreu em março deste ano, além de Leandro Lima, que faz o papel do cowboy sarado, e o colunista Hugo Gloss. 

Na parte musical, como participações especiais, estão a cantora Iza e a dupla Chitãozinho e Xororó, que tem uma história passada com Dona Márcia.

Durante sua jornada, a partir do Rio de Janeiro, de onde Mirelly agora precisa fugir por uns tempos, as duas irmãs vão conhecendo e encontrando personagens, retomando a amizade de infância e descobrindo uma nova realidade.

Além das belas locações da região Centro-Oeste do pais, "Minha Irmã e Eu" foi muito bem dirigido por Susana Garcia a partir de um roteiro leve e cativante. Como se os roteiristas estivessem contando suas próprias experiências familiares. 

Ele é isso, um filme produzido para divertir toda a família, falando sobre a relação entre mães e filhos e, especialmente, entre irmãs, com direito a brigas, picuinhas e acertos. Mas não mexa com uma delas, porque com certeza vai arranjar problema com a família toda. Não perca nos cinemas, vale muito a pena.

Ficha técnica:

Direção: Susana Garcia
Ideia original: Ingrid Guimarães e Tatá Werneck
Roteiro: Célio Porto, Ingrid Guimarães, Veronica Debom, Leandro Muniz
Produção: Paris Entretenimento, com coprodução da Paramount Pictures, Telecine, Simba e Globo Filmes
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h52
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: comédia nacional

Nota: 4 (0 a 5)

“Digimon Adventure 02: O Início” amadurece os personagens e traz novidades

Os Digiescolhidos precisam descobrir como ajudar um misterioso Digitama que chega a Tóquio (Fotos: Tôei Animation/Plaion Pictures)

Marcos Tadeu
Narrativa Cinematográfica

Entrou em cartaz nas salas de cinema a animação “Digimon Adventure 02: O Início”, uma das mais esperadas pelos fãs da saga, que no Japão possui sete temporadas, com mais de 200 episódios. Para eles, este filme em 2023 pode representar um presente por causa da dificuldade de distribuição de animes em terras brasileiras. 

A história se passa em 2012, quando descobrimos que um DigiTama, também chamado de DigiOvo, aparece na Torre de Tóquio e um garoto sobe para tentar fazer contato com o objeto. 

Reencontramos nossos personagens Dave, Yolei, TK, Kari, Code e Ken, além de conhecermos um novo integrante - Lui Ohwada. Agora os Digiescolhidos precisam descobrir quem é e como ajudar este misterioso jovem, que afirma ser o primeiro humano a fazer parceria com um Digimon

O jovem vai desempenhar um papel fundamental na cronologia da trama. Evitarei entrar em detalhes para evitar spoilers, mas a forma como ele e seu parceiro Ukkomon existem e se revelam é espetacular. 

A inovação também ocorre com o Digimon. O filme questiona se é mecânica ou se realmente existe um elo entre o dono e seu Digimon, abordando essa relação de forma excelente.

As cenas de ação e, principalmente, as digievoluções são precisas, servindo como fan-service para aqueles que acompanharam a série na época da TV Globinho. É lindo o cuidado e a estética, agora mais sombria, escolhida no roteiro, sem medo de explorar camadas nunca vistas na franquia.

O que deixa a desejar é uma batalha. Talvez porque essa parte é bem desenvolvida e nos deixa ansiosos para ver como será a luta e sua conclusão. 

O filme termina, sem dúvida, com pontas soltas sobre a relação entre humanos e Digimons e como isso afeta o mundo.

“Digimon Adventure 02: O Início” é uma grande surpresa, adicionando frescor à fórmula sem cair no senso comum. Resta saber se a base de fãs brasileira comparecerá para garantir mais semanas nos cinemas ou se o filme será engolido por grandes lançamentos e acabará sendo deixado de lado.

Ficha técnica:
Direção: Tomohisa Taguchi
Produção:Tôei Animation Company
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h20
Classificação: 12 anos
País: Japão
Gêneros: ação, aventura, animação

"Jogos Vorazes: A Cantiga dos Pássaros e Serpentes" traça paralelos entre paixão, ambição e sobrevivência

Filme é dirigido por Francis Lawrence, o mesmo diretor dos outros quatro longas da franquia (Fotos: Paris Filmes/Divulgação)

Larisssa Figueiredo

Um dos pontos mais fortes da franquia "Jogos Vorazes" é a forma como os personagens são construídos e aprofundados com complexidade, estreitando a linha de separação entre os mocinhos e vilões. Em "A Cantiga dos Pássaros e Serpentes" ("The Hunger Games – The Ballad of Songbirds and Snakes"), filme prequel da franquia que estreou nos cinemas, acompanhamos o tirânico presidente Snow aos 18 anos, atormentado pela pobreza e miséria na Panem pós-guerra, quando vê uma chance de mudar sua realidade se tornando o mentor de Lucy Gray Baird, o tributo feminino do Distrito 12.

 

O elenco do longa-metragem é composto por grandes nomes como Viola Davis (Dra. Gaul), Peter Dinklage (Reitor Highbottom) e Hunter Schafer (Tigris Snow), mas o destaque vai para Tom Blyth, que incorporou os dilemas e contradições do jovem Coriolanus Snow.  

Dar vida a um personagem complexo que foge aos arquétipos óbvios hollywoodianos é um desafio que foi executado com maestria pelo ator britânico. Snow, ainda que querendo salvar sua família da pobreza, já mostrava frieza, sinais de tirania e desejo de poder irrestrito e, mesmo assim, Blyth consegue trazer ternura, simpatia e até empatia para Snow do início ao fim do filme. 

Já a protagonista Lucy Gray Baird foi interpretada por Rachel Zegler, amplamente criticada pelos fãs da saga nas redes sociais quando a escolha foi divulgada. Lucy é uma personagem imprevisível, intensa, cheia de emoções, que representa um mártir na própria narrativa, esses aspectos parecem ter dificultado a imersão de Zegler na personagem. 

A atriz exagera nas “caretas” e não soa natural na pele de Lucy Gray nos momentos de maior tensão. Apesar disso, Rachel Zegler é dona de uma voz exuberante e entrega performances de alto nível nas cenas em que aparece cantando e tem uma química inegável com seu par, Tom Blyth. 

Por falar em música, mais uma vez a franquia evidenciou a preocupação em apresentar uma trilha sonora original de primeira qualidade, que ficou a cargo de James Newton Howard ("Operação Red Sparrow" -2018). 

Além da icônica contribuição de Rachel Zegler em “The Hanging Tree”, música escrita pela autora dos livros, Suzanne Collins, e também interpretada por Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen) em "Jogos Vorazes: A Esperança - Parte 1", “Can't Catch Me Now”, da cantora pop Olivia Rodrigo, ganhou destaque como composição original para o longa. 

O filme é dirigido por Francis Lawrence, o mesmo diretor dos outros quatro longas da franquia e tem produção executiva de Suzanne Collins. O roteiro começa dinâmico e envolvente, mas perde o ritmo do meio para o final, aspecto que é um desafio para diversas adaptações literárias. 

O longa é um dos mais brutais entre as produções de "Jogos Vorazes", com direito a mortes marcantes e muita violência, sem deixar de ser político e inteligente, escancarando as engrenagens da espetacularização por trás dos jogos. 

A montagem de "A Cantiga dos Pássaros e Serpentes" chama atenção pela riqueza de planos sequência bem elaborados que imergem o espectador para dentro do filme. A fotografia e os cenários, em sua maioria na Polônia, não deixam dúvidas para afirmar a qualidade estética do longa-metragem, cheio de referências visuais dos símbolos da franquia, como a árvore e os tordos.  

O filme prequel trouxe a completude que faltava ao universo de "Jogos Vorazes", proporcionando ainda mais profundidade à narrativa de Snow, um dos grandes protagonistas da franquia. 

Ficha técnica:

Direção: Francis Lawrence
Produção: Lionsgate, Color Force
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h38
Classificação: 12 anos
País: EUA
Gêneros: Ficção, ação, aventura
Nota: 4 (0 a 5)

“Meu Nome é Gal” é a própria exaltação ao poder transformador da música, com suas dores e delícias

Sophie Charlotte tem atuação magistral da cantora em suas muitas fases e nuances (Fotos: Stella Carvalho/Dramática Filmes)

Mirtes Helena Scalioni

Filmes – e livros – que optam por fazer um recorte na vida de uma figura pública importante correm o risco de deixar alguma frustração em fãs ou admiradores mais exigentes do biografado. Sempre fica uma lacuna, sempre falta. 

Esse não parece ser, no entanto, o caso da cinebiografia “Meu Nome é Gal”, cuja direção, inteligentemente, escolheu o período de 1966 a 1971, que conta, exatamente, do nascimento artístico da cantora até seu estouro com o show “Fa-tal, Gal a Todo Vapor” (1971), como símbolo da contracultura e da resistência à ditadura militar da época. O longa entra em cartaz nesta quinta-feira (12) nos cinemas.

Outro acerto do filme, que foi dirigido com visível sensibilidade por Dandara Ferreira e Lô Politi: o longa resiste à tentação de detalhar a vida pessoal da artista. As roteiristas Maira Bühler e Mirna Nogueira se concentraram quase que exclusivamente na metamorfose – nem sempre fácil - da baianinha tímida em um vulcão tropicalista. 

Fica claro, desde o início, que a grande protagonista da história é a força transformadora da música. Pode-se dizer que “Meu Nome é Gal” é um filme feminino, não apenas pelo número de mulheres na ficha da produção. E não é sobre Maria da Graça Costa Penna Burgos. É sobre Gal Costa, cuja mãe, Mariah (Chica Carelli) aparece rápida e pontualmente.

Quando chegou ao Solar da Fossa, uma pensão no Botafogo, no Rio de Janeiro, onde já se hospedavam Gil, Caetano, Betânia e Dedé, a baiana Gracinha encontrou amigos e ambiente propício para exercer sua arte. Não foi fácil vencer barreiras, e isso fica claro no filme, também pelas interpretações dos atores e atrizes envolvidos no clã. 

Merecem destaque Camila Márdila como Dedé Gadelha, Rodrigo Lelis como Caetano Veloso, Dan Ferreira como Gilberto Gil, George Sauma como Waly Salomão, a própria diretora Dandara Ferreira como Betânia, e Luis Lobianco como o divertido Guilherme Araújo, o primeiro empresário dos baianos. 

Os figurinos de Gabriella Marra e a reconstituição perfeita de cenários e paisagens da época são impecáveis. A cena da turma toda na praia do Arpoador, no Rio, no espaço que ficou conhecido como “dunas da Gal”, é deliciosamente irresistível. 

A bela trilha ficou a cargo de Otavio de Moraes, também responsável pelo longa "Ângela", dirigido por Hugo Prata, que pode ser conferido no Prime Video. Ganham destaque no filme as canções “Meu Nome é Gal”, composta por Erasmo e Roberto Carlos em 1969, “Baby”, “Divino Maravilhoso”, “Eu Vim da Bahia”, “Alegria, Alegria”, “Coração Vagabundo”, “Mamãe, Coragem”, “Vaca Profana”, “Festa do Interior”, entre outras.

Talvez o único senão de “Meu Nome é Gal” esteja mais para o final do filme, quando o longa praticamente deixa de ser uma cinebiografia para lembrar a cantora com imagens de arquivo. 

Sem nenhuma novidade, já que, com a morte recente da baiana (novembro de 2022), fotos, shows e entrevistas disponíveis foram exaustivamente exibidas – o que, de certa forma, reduz o impacto que o roteiro vinha causando. Um quase anticlímax.

Muito se tem falado também da interpretação irrepreensível de Sophie Charlotte como Gal. Com razão. A atriz tem atuação magistral da cantora em suas muitas fases e nuances e ajuda muito o espectador a compreender sua transformação artística em todas as suas dores e delícias. 

O filme é, antes de tudo, uma homenagem à Gal Costa, artista de voz privilegiada e inconfundível. O público da nova geração tem uma ótima oportunidade de conhecer a importância da artista para o Brasil. E os que acompanharam sua carreira vão, certamente, se emocionar ao recordar tempos difíceis e ao mesmo tempo profícuos da arte brasileira. Impossível não chorar.

Ficha técnica:

Direção: Dandara Ferreira e Lô Politi
Roteiro: Lô Politi, Maíra Bühler e Mirna Nogueira
Produção: Paris Entretenimento e Dramática Filmes, em coprodução com Globo Filmes, Telecine e California Filmes
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 2 horas
Classificação: 12 anos
País: Brasil
Gênero: biografia

"Jogos Mortais X" volta ao passado e se reinventa como franquia

Décimo capítulo se passa entre os eventos do primeiro e segundo filmes e resgata o assustador Jigsaw (Fotos: Paris Filmes/Divulgação)

Marcos Tadeu
Blog Narrativa Cinematográfica

O mais novo capítulo da franquia "Jogos Mortais X" ("Saw X") chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira, com uma boa novidade: o retorno do ator Tobin Bell, interpretando John Kramer/Jigsaw. Também no elenco principal estão Steven Brand, Synnøve Macody Lund e Shawnee Smith. 

O diretor Kevin Greutert retorna em um filme icônico, cheio de simbolismo e de toda mitologia da franquia construída até aqui. E o público ainda poderá assistir este filme com ingressos a preços populares de R$ 12,00 na Semana do Cinema, que acontece de hoje a 4 de outubro em dezenas de salas do país.

Em "Jogos Mortais X", que se passa entre os eventos do primeiro e do segundo filmes, vemos Kramer, mais velho, doente e desesperado, que parte em uma viagem para o México em busca de um procedimento experimental e uma cura milagrosa para seu câncer. 

Ao descobrir que toda a operação é, na verdade, um golpe, Jigsaw entra em cena para vingar todos os que fizeram mal a ele e a todas as vítimas inocentes mortas. Em um jogo brutal, o protagonista cria armadilhas mais cruéis e dementes do que nunca. Este episódio é o primeiro que se passa no México.

O ritmo do filme é um pouco lento no início, dando a impressão de que as coisas não vão acontecer. Esse talvez seja um ponto negativo do roteiro, que se perde em relação à linha de ação que nosso protagonista irá focar. 

No entanto, a forma como John Kramer busca sua cura é muito bem apresentada, dando tempo para o público entender seu problema. Também temos participações especiais de personagens que marcaram a franquia, o que deverá agradar quem acompanha "Jogos Mortais" nesses quase 20 anos.

As armadilhas e os jogos mantêm sua essência e há um esforço notável para agradar aos fãs, incluindo a presença icônica do boneco em cima da bicicleta velha e as gravações com a voz de Jigsaw usando o jargão "Eu quero jogar um jogo com você". 

A trilha sonora clássica também está presente, embora com uma roupagem nova. A espinha dorsal do que torna "Jogos Mortais" único está bem representada e é um prato cheio para os fãs.

Talvez este seja o filme que mais nos faz questionar quem é o mocinho e quem é o vilão, devido à forma como o roteiro apresenta os personagens. Isso se aplica principalmente ao novo grupo de atores que injeta energia nesse jogo repleto de aflição. Destaque para a dra. Cecília Pederson (Synnøve Macody Lund), a enfermeira Valentina (Paulette Hernandez), Gabriela (Renata Vaca) e seu amante cirurgião Mateo (Octavio Hinojosa).

Arrisco dizer que este é o episódio de "Jogos Mortais" mais pessoal de toda a jornada de John Kramer até agora, explorando questões morais e éticas ao longo da franquia. Sem dúvida, o décimo capítulo traz muitas novidades, especialmente em seu ato final, com reviravoltas surpreendentes e um desfecho digno de continuação. 

A direção de Kevin Greutert é respeitosa com a franquia, especialmente porque ele já dirigiu alguns capítulos anteriores, como "Jogos Mortais 6" (2009) e "Jogos Mortais: O Final" (2010), demonstrando maestria e familiaridade ao retornar com o famoso personagem após quase 13 anos longe das telas. 

Este filme funciona bem por si só, sendo uma ótima oportunidade para novos fãs conhecerem a franquia, embora seja importante estar preparado. "Jogos Mortais" não é para os fracos de estômago, apresenta cenas de tortura de diversas formas, com muito sangue que causam repugnância. 

No entanto, o enredo é bem construído e repleto de reviravoltas, tornando cada jogo mais tenso e fazendo com que questionemos se as pessoas merecem ou não passar por esses desafios para sobreviver. Dito isso, fica o aviso.

"Jogos Mortais X" consegue se reinventar, mesmo que voltando ao passado para explicar suas motivações. O sucesso de crítica e de bilheteria é quase certo. É importante mencionar que o filme possui duas cenas pós-créditos curtas, mas que ajudam a conectar com outras produções da franquia. Estas cenas dão pistas sobre o que podemos esperar no futuro, incluindo personagens icônicos, principalmente do primeiro filme, dirigido por James Wan em 2004. 

Para um melhor aproveitamento do filme, as redes Cinemark e Cinépolis contarão com sessões D-BOX e 4DX respectivamente, em versões dubladas e legendadas. O filme também está em exibição em sessões 2D nas salas da rede Cineart.

Ficha técnica:

Direção: Kevin Greutert
Produção: Lionsgate e Twisted Pictures
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h58
Classificação: 18 anos
País: EUA
Gêneros: terror, suspense

"Som da Liberdade" - imagina entrar no quarto e ver a cama de um filho vazia

Longa com Jim Caviezel faz alerta revoltante para o tráfico sexual infantil que já supera o de armas (Fotos: Saje Distribution)

Maristela Bretas

Revolta, angústia, medo são os sentimentos que o espectador, com um mínimo de sensibilidade, vai ter já nos primeiros minutos de "Som da Liberdade" ("Sound of Freedom"), filme que estreia nesta quinta-feira (21) nos cinemas brasileiros. Um tapa na cara, que serve de alerta para as pessoas se conscientizarem sobre um problema grave que todos sabem que existe, mas preferem acreditar que só acontece em países distantes - o tráfico de crianças para exploração sexual.

O diretor Alejandro Monteverde utiliza imagens reais das operações de combate aos grupos de traficantes de crianças, preservando os rostos das vítimas verdadeiras. O mesmo acontece com as cenas de violência sexual contra as crianças protagonistas do filme, que não são mostradas. 

Ele emprega alternativas que emocionam por deixarem bem claro o que está acontecendo. Como as lágrimas do policial escorrendo pelo rosto quanto assiste fitas de vídeos apreendidas com pedófilos. Mesmo sem mostrar abertamente o abuso sexual, é repugnante saber que é uma realidade cruel.

Os números deste crime, que já ultrapassou o comércio de armas ilegais e logo vai superar o tráfico de drogas, são alarmantes e a produção apresenta isso. Como é falado no filme "um pacote de pó só dá para vender uma vez, mas uma criança é vendida 10 vezes por dia".

Adaptado de uma história real, "Som da Liberdade" foi sucesso nas bilheterias dos Estados Unidos. O drama é protagonizado por Jim Caviezel (“A Paixão de Cristo”), que interpreta o ex-agente da Segurança Nacional dos EUA, Tim Ballard, que trabalhava numa divisão especializada no combate à pedofilia.

Depois de resgatar o pequeno Miguel (Lucas Ávila), ele passa a procurar também a irmã do menino, Rocio (Cristal Aparício) que, junto com outras crianças foram levadas por traficantes para serem vendidas e exploradas sexualmente pelo mundo. No caso do filme, muitas delas eram de famílias de países da América Central e do Sul. 

Abalado com o crescente número de crianças desaparecidas, Tim passa a caçar os responsáveis para tentar salvar o máximo de vítimas e devolvê-las a seus lares. Sem apoio do governo norte-americano, o agente decide deixar seu emprego para salvar Rocio do cativeiro na selva colombiana.

Na vida real, Tim Ballard, depois que deixou de ser agente do governo dos EUA, fundou a Operation Underground Railroad (OUR), uma organização sem fins lucrativos que atua na luta antitráfico de pessoas. 

O drama conta ainda no elenco com Bill Camp (Vampiro), Mira Sorvino (esposa de Tim), José Juniga (pai de Miguel e Rocio), o também produtor Eduardo Verastegui (Pablo) e vários outros. 

Ao mesmo tempo em que polêmicas e teorias da conspiração rondam a produção e serviram para desviar o foco do verdadeiro problema - o tráfico de crianças -, elas também atraíram o público para os cinemas. 

Engavetado desde 2018, o filme, até o momento, arrecadou mundialmente US$ 210 milhões (cerca de R$ 1,2 milhão), um grande feito para uma produção que custou US$ 14,5 milhões (cerca de R$ 70 milhões). 

"Som da Liberdade" é uma ótima produção, bem feita, com boas interpretações e frases que não saem da cabeça da gente: "imagina entrar no quarto de nossa filha e ver a cama vazia?" Quem tem filho sabe o que é ter esse pavor. 

Este é o maior trunfo da produção: provocar incômodo (e revolta) nas pessoas ao mexer numa ferida que está mais perto de nós do que imaginamos, o sequestro de crianças para tráfico sexual. Um crime que só precisa de uma distração dos pais ou responsáveis e pode acontecer num parque, numa escola, na rua ou até dentro de casa. O longa vale a pena ser conferido por sua abordagem.

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Alejandro Monteverde
Produção: Angel Studios
Distribuição: Paris Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 2h11
Classificação: 16 anos
País: EUA
Gêneros: suspense, drama, biografia, suspense