"O Estrangeiro": Ozon coloca seu talento a serviço de um cânone da literatura

Benjamin Voisin interpreta o francês Meursault, um jovem que não demonstra sentimentos nem com a
morte da mãe (Fotos: California Filmes)

 

 

Patrícia Cassese

 

Publicado em 1942, “O Estrangeiro” ("L'Étranger), do franco-argelino Albert Camus (1913 – 1960), não tardou a entrar para o panteão dos clássicos, conquistando mais e mais leitores no curso do tempo, mundo afora. 

Previsivelmente, não tardou a ser adaptado para o teatro e para o cinema – no último caso, por Luchino Visconti, em 1967, com Marcello Mastroianni como protagonista. 

A mais recente versão para a sétima arte desta obra, desta vez, dirigida pelo francês François Ozon, está em cartaz no Una Cine Belas Artes e no Centro Cultural Unimed-BH Minas. Lembrando  que, ano passado, o título foi exibido em algumas sessões em BH dentro do Festival de Cinema Francês (antigo Varilux). 

Agora, Meursault é vivido pelo ótimo Benjamin Voisin, de “Ilusões Perdidas”. O jovem ator, vamos lembrar, teve seu primeiro papel de destaque no cinema pelas mãos do mesmo Ozon, no tocante “Verão de 85”. 

Logo no início da trama de “O Estrangeiro”, o personagem central, funcionário de um escritório em Argel (então ainda colônia da França), recebe a notícia do falecimento da mãe, que vivia em um asilo em Marengo, a 80 quilômetros da capital. 

Ao contrário do comportamento esperado pela sociedade em situações afins, Meursault não deixa transparecer laivos de inconformismo diante do anúncio. Sequer uma vaga tristeza. Ao contrário, mantém a fleuma e a apatia características de sua personalidade, declinando inclusive da oferta de que o caixão fosse aberto, para que pudesse ver, pela última vez, a genitora.

Em uma sociedade na qual a dor de perder um ente querido é majoritariamente validada por rituais que incluem lágrimas, soluços e manifestações vívidas de inconformismo, a impassibilidade de Meursault chama a atenção dos companheiros de moradia da falecida. 

Mais tarde, a indiferença do único filho da sexagenária volta à baila quando Meursault já está no banco dos réus, após assassinar um rapaz árabe a cinco tiros, sendo quatro disparados quando a vítima já estava sem vida.

O episódio que muda irreversivelmente a vida de Meursault, como quem leu o livro bem se recorda, se dá num dia de muito calor em que, a convite de um vizinho, o comerciante Raymond (Pierre Lottin), o protagonista vai à praia com a namorada, Marie (Rebecca Marder). 

O rapaz árabe, por sua vez, é irmão da amante de Raymond, uma moça a quem ele recentemente espancara. Portanto, aparece no balneário, junto a amigos, em tom de intimidação e possível vingança ao agressor. 

No momento que precede o crime, porém, os rapazes já tinham inclusive se distanciado do ponto da praia onde Raymond, Meursault e companhia estavam. Ocorre que, subitamente, sem um propósito explicitado, Meursault deixa o grupo para, sozinho, dar uma nova caminhada. É quando, metros adiante, ainda na praia, volta a encontrar o hercúleo rapaz, desta vez já sozinho. É quando, sob o brilho do sol inclemente, o crime acontece.

Com sua agudeza particular, François Ozon não deixa de explorar o racismo contra os árabes, em falas como a do advogado de Meursault (diga-se, escolhido à revelia do personagem, já que, por ele, nem teria defesa), que cita o fato de que vários franceses foram anteriormente absolvidos por matar locais, comprovando, assim, uma dinâmica de povos subjugados. 

O julgamento do personagem central - que mantém a letargia característica em seu curso, quase como se fosse um espectador do processo, e não o homem sentado no banco dos réus - assume, claro, a metade final da narrativa.

Cumpre dizer que, nesta transposição, Ozon mantém-se bem fiel à obra de Camus, ainda que insira uma licença poética que não vai passar despercebida aos que trazem frescos na memória detalhes da icônica obra. 

Trata-se de um momento fugaz em que Meursault lança um olhar fixo ao corpo delineado do rapaz árabe, em particular, à axila do mesmo, o que sutilmente sugere que houve outro motivo para que descarregasse o cartucho no garoto.

Com apenas 29 anos, Benjamin Voisin já mostrou várias vezes a que veio, com um talento que lhe permite dar corpo a personagens densos, de vieses distintos, mas que muito exigem da interpretação. Aqui, surge perfeito como Meursault, um atento e interessado observador do comportamento humano, mas que, apático até a medula, não busca interferir no rumo dos acontecimentos, limitando-se a aceitar o fluxo da vida com resignação e mesmo certo abatimento. 

A opção pelo preto & branco mostra-se perfeitamente acertada, gerando imagens em que os contrastes de luz e sombra criam quadros belíssimos. Talvez um pequeno reparo possa ser feito em relação à percepção de que o calor descrito com tanto detalhamento e intensidade no livro de Camus (como nas frases “havia já duas horas que o dia deitara sua âncora neste oceano de metal fervente “ou “a ardência do sol queimava-me as faces e senti o suor amontoar-se nas minhas sobrancelhas”) não apareça na tela de modo mais demarcado, o que poderia ser alcançado, por exemplo, com o efeito de roupas empapadas ou suor escorrendo pelo rosto dos personagens.

Nada, porém, que interfira no deleite de ver um clássico de volta ao cinema com a condução de um expoente como Ozon, e com elenco tão empenhado. Portanto, vá ao cinema – e, se possível, aproveite para ler ou reler o livro.

 

Ficha técnica:

Direção e roteiro: François Ozon
Distribuição: California Filmes
Exibição: Una Cine Belas Artes e Centro Cultural Unimed-BH Minas
Duração: 2h02
Classificação: 16 anos
Países: França, Bélgica e Marrocos
Gêneros: drama, crime

“13 Dias, 13 Noites” - a fuga do Afeganistão em obra recheada de tensão

Longa é baseado na biografia de Mohamend Bida, ex-chefe de segurança da embaixada da França no Afeganistão na época da ocupação (Fotos: California Filmes)

  

 

Eduardo Jr.

 

As cenas do Talibã tomando Cabul e retirando direitos das mulheres são de 2021, mas devem estar frescas na memória de muita gente. O que pouco se viu e se fala é sobre a negociação e a retirada de franceses do Afeganistão. 

Este é o mote de “13 Dias, 13 Noites” ("13 Jours, 13 Nuits"), do diretor Martin Bourboulon ("Os Três Mosqueteiros: D'Artagnan" - 2023). Distribuído pela California Filmes, o longa estreia nos cinemas brasileiros no dia 26 de março. 

A obra é baseada no livro autobiográfico do comandante Mohamend Bida, que foi chefe de segurança da embaixada da França em território afegão na época. 

A história mostra franceses e afegãos buscando abrigo e tentando deixar o território. A missão de Bida é levar o grupo de quase 500 pessoas até o aeroporto para escaparem de uma Cabul dominada pelo Talibã.  

Sim, é um filme de guerra. Mas não se engane com as cenas em dias claros ou com a tela preenchida por cores. Por trás disso está a tensão que deixa o espectador na ponta da cadeira. 

As conversas sussurradas, os personagens que surgem e não se sabe se são de confiança… tudo é motivo para esperar o pior. 

O protagonista Bida (vivido Roschdy Zem) canaliza essa tensão, que aparentemente impacta até sua vida pessoal. Não por acaso apresenta um semblante carregado e quase nenhum sorriso. 

Ele é quem se esforça para proteger agentes ameaçados pelo Talibã, que enfrenta o perfil burocrata do embaixador e tenta garantir a sobrevivência do maior número possível de cidadãos.       

Alcançar esse objetivo demanda negociar com colegas militares, dialogar com o inimigo, enfrentar conversas que podem ser encerradas a bala, e superar traições e artifícios que podem deflagrar uma guerra entre países. 

Ação e suspense se unem ao contexto político para criar uma obra muito interessante. O longa foi indicado ao Cesar na categoria de Melhor Montagem. Mais um incentivo para ir aos cinemas e conferir a produção. 

Ficha Técnica:
Direção: Martin Bourboulon
Roteiro: Martin Bourboulon e Alexandre Smia, com colaboração de Trân-Minh Nam
Produção: Chapter 2 e coprodução de Pathé Films e M6 Films
Distribuição: California Filmes
Duração: 1h52
Países: França e Bélgica
Gêneros: biografia, drama, ação, guerra

"Carcaça": suspense frágil e superficial

Paulo Miklos e Carol Bresolin formam o casal que vive uma relação abusiva durante a pandemia
(Fotos: California Filmes)

Silvana Monteiro

"Carcaça" se apresenta como um suspense psicológico ambientado em um cenário pandêmico, mas rapidamente se transforma em um labirinto de pesadelos e decisões questionáveis. Dirigido por André Borelli, o filme aposta em uma atmosfera claustrofóbica e na tensão entre um casal isolado, formado por Paulo Miklos e Carol Bresolin.

Infelizmente, a produção tropeça no que poderia ser seu maior trunfo: a descoberta e a libertação. O longa-metragem já está disponível nas plataformas de aluguel Vivo Play, Prime Vídeo, Claro Vídeo, Google Play, Apple, Net Now, Youtube e Total Play.

A trama, repleta de armadilhas narrativas, não serve para aprofundar a história ou conectar os pontos de maneira eficaz. Em vez disso, cria expectativas que se frustram repetidamente. A sinopse — “Durante uma pandemia, uma jovem descobre o segredo sombrio de seu parceiro possessivo, desencadeando uma luta desesperada por liberdade” — promete um mergulho nos segredos obscuros de um relacionamento abusivo em meio ao isolamento, mas não cumpre esse promissor objetivo. 

O que se vê na tela é uma sucessão de cenas oníricas que diluem a tensão, desviando-se do que se espera de um suspense consistente. A repetição exaustiva de sequências de pesadelo, onde a protagonista acorda abruptamente, mina a imersão e torna a narrativa previsível.

Para os aficionados por fotografia, assistir ao filme no mudo pode ser uma experiência satisfatória. O preto e branco bem trabalhado serve como pano de fundo para a falta de contexto narrativo. 

Embora a escolha da monocromia seja acertada, sua conexão com a história é frágil, marcada por lapsos e vácuos narrativos. As cenas em planos detalhe, plongée e contra-plongée que exploram as sensações dos protagonistas oferecem momentos visualmente interessantes, mas não o suficiente para sustentar a narrativa. 

A ausência de um contexto pandêmico claro — seja Covid-19 ou outra doença — desperdiça a oportunidade de explorar as angústias e paranoias específicas de uma determinada crise sanitária.

O segredo do personagem masculino carece de profundidade, não justificando o suspense pretendido. A hesitação do roteiro em explicitar esse segredo cria um vazio que dificulta a conexão do espectador com a angústia da protagonista. O resultado é uma sucessão de cenas que repetem os mesmos artifícios na tentativa de hipnotizar e intrigar, mas sem sucesso.

A câmera, sob um olhar masculino, fetichiza a protagonista, Carol Bresolin, por meio de closes e ângulos que sugerem uma tentativa de aprofundar questões sociais relacionadas aos relacionamentos abusivos. Contudo, essa abordagem se desdobra como um mosaico desencaixado, sem uma história sólida para sustentá-la e sem transmitir uma mensagem social coerente.

"Carcaça" se perde em suas próprias ambições, resultando em um suspense inconsistente e superficial. A falta de coesão entre as escolhas narrativas e visuais, a repetição exaustiva de pesadelos e a objetificação da protagonista tornam a experiência frustrante. 

Em termos técnicos, o formato teatral, juntamente com as fisionomias cênicas e microexpressões de Miklos e Bresolin, ainda conseguem capturar a atenção.

E sim, mulheres, corram de segredos sombrios em parceiros abusivos.

Ficha técnica:

Direção: André Borelli
Distribuição: Califórnia Filmes
Exibição: nas plataformas de aluguel Total Play, Apple TV, Youtube, Vivo Play, Prime Video, Claro-Vídeo, Claro-TV, Google Play
Duração: 1h10
Classificação: 18 anos
País: Brasil
Gênero: suspense psicológico

"Tesouro" é mais uma história das marcas deixadas pelo Holocausto

Stephen Fry e Lena Dunham são pai e filha numa viagem para reconstruir as raízes da família (Fotos: Divulgação)

Jean Piter Miranda

Voltar à terra dos antepassados e conhecer suas origens. Para muitos, isso é mera curiosidade. Para outros, é prioridade. Como é o caso da jornalista estadunidense Ruth (Lena Dunham). Ela viaja com o pai, Edek Rothwax (Stephen Fry), para a Polônia, a fim de reconstruir as raízes de sua família. 

Essa é a história contada em “Tesouro” ("Treasure"), filme alemão produzido em parceria com outros países europeus que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (28). 

O ano é 1990. Ruth e o pai saem de Nova York rumo à Varsóvia, na Polônia. Ela está empolgada para conhecer o lugar onde sua família viveu. Só que seu pai não. E tem um motivo. Edek é sobrevivente do Holocausto e as memórias que ele tem do lugar não são nada boas. Na verdade, ele nem quer relembrar. 

Esse conflito de expectativas cria situações engraçadas durante a estadia da dupla na Polônia. Ruth tem tudo planejado, roteiro de onde quer visitar e porque quer ir em cada lugar. Edek, por sua vez, tenta a todo custo sabotar os planos da filha para não ter que revisitar os lugares que lhe trazem lembranças ruins. 

"Tesouro" pode ser considerado um “Road movie”, um filme de estrada. Porque é isso que Ruth e Edek fazem. Eles vão de Varsóvia à Lódz, cidade natal de Edek, e visitam Auschwitz e outros lugares. 

A grande diferença é que, nos tradicionais filmes de viagem, as imagens são sempre amplas, abertas, para mostrar as cidades, os pontos turísticos. Em "Tesouro", as cenas são quase sempre feitas em ambientes internos. 

A escolha por filmagens em locais mais fechados é bem acertada, pois remete aos anos 1990. Isso somado a uma fotografia um tanto mais escura e com pouca cor, além dos cenários com móveis, roupas e carros da época. Dá o ar de que realmente estamos na Polônia de décadas atrás. 

O personagem de Edek é mais simpático, mais cativante. Ruth não tem o mesmo humor e isso fica compreensivo ao longo da história. Há o choque cultural de Ruth por não ter crescido na Polônia, principalmente com relação ao idioma. 

Ao contrário do que muitos imaginam, nem todo mundo na Europa fala o inglês. Isso é bem abordado no filme, assim como diferentes hábitos e costumes. 

Outro ponto interessante do longa é o não mostrar cenas de violência nos campos de concentração. Recurso que poderia ter sido utilizado nas lembranças Edek, mas que a direção optou por não empregar. 

A simples referência ao Holocausto já trás ao espectador essas imagens. Semelhante ao que foi feito em “Zona de Interesse” (2013), onde o tema é abordado, mas sem cenas explícitas do massacre dos judeus na Segunda Guerra Mundial. 

"Tesouro" tem momentos cômicos e dramáticos, com bons diálogos e pequenas surpresas. Provocam boas reflexões sobre família, filhos, casamento e outras coisas que dão sentido à vida. É um filme lento e, para muitos, pode até ser cansativo. Mas, no fim, cumpre seu propósito. Não promete muito e conta bem a história que propõe. 

O longa é uma adaptação do livro “Too Many Men”, da escritora australiana Lily Brett. Romance premiado de 1999, inspirado em fatos reais e que, infelizmente, até o momento, ainda não foi lançado no Brasil. Sendo assim, quem quiser conhecer essa história, ir ao cinemas ver "Tesouro" é uma boa pedida. 

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Julia von Heinz
Distribuição: California Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h51
Classificação: 14 anos
Países: França, Alemanha, EUA, Bélgica, Polônia, Hungria
Gêneros: drama, comédia

Com passeios por Paris, belas canções e uma breve lição de vida “Conduzindo Madeleine” é um filme para lavar a alma

Line Renaud e Dany Boon protagonizam este drama francês com pitadas de romance e violência doméstica (Fotos: California Filmes/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Histórias que dão voz ao acaso costumam emocionar, assim como as que tratam de relatos de lembranças de pessoas maduras e solitárias. Claramente inspirado em “Conduzindo Miss Daisy” (1989), o longa francês de Christian Carion, “Conduzindo Madeleine”, que estreia no Cineart Ponteio nesta quinta-feira (9), acrescenta a isso pitadas de romance e violência doméstica. Tudo embalado por uma trilha sonora de lindas canções do jazz e do blues. 

Quando Madeleine Keller, de 92 anos, pede um táxi para levá-la à instituição de idosos onde vai passar o resto de seus dias, o mal-humorado taxista Charles, que só aceita a corrida porque precisa muito do dinheiro, não imagina como aquela tarefa pode mudar sua vida. 

Em atuação brilhante de Line Renaud, a velhinha vai amolecendo aos poucos o coração daquele trabalhador que, beirando os 50 anos, está desiludido e cheio de problemas financeiros. E é passeando por toda a Paris que ele vai descobrindo que, por trás de toda aquela aparente doçura, sua passageira esconde uma trajetória de sofrimento e superação.

Além de se emocionar com os laços que vão sendo lentamente construídos naquela viagem pelas ruas de Paris, com direito a passadinhas por símbolos icônicos da Cidade Luz, o espectador ainda pode observar uma discreta declaração de amor ao teatro e um claro discurso em favor da causa das mulheres submetidas à violência. 

Vale ressaltar a interpretação sutil de Dany Boon como Charles, o 'chauffeur' – como querem os franceses – se deixando levar pela conversa da sua passageira, passando, com leveza, do mutismo e da indiferença para o encantamento, as risadas e a cumplicidade.

Como um bom filme que tem as memórias como fundamento, “Conduzindo Madeleine” apela para um sem-número de oportunos flashbacks, claro. E nas lembranças da protagonista, surge a jovem romântica e sonhadora Madeleine (interpretação de Alice Isaaz) que, aos 16 nos, na década de 1950, se apaixona por um soldado americano Matt (Elie Kaempfen). 

Destaque também para Jéreme Laheurte, que faz Raymond, o jovem e violento marido da moça; Gwendoline Hamon como Denise Keller, a mãe dela, e Thomas Alden como Mathieu.

Acima de tudo, “Conduzindo Madeleine” é um filme delicado, cujo título original, não por acaso, é “Une Belle Course”, que pode ser livremente traduzido do francês para “Uma Bela Corrida” ou "Um Belo Curso".

Com roteiro inteligente e bem construído de Cyril Cely, que intercala romance, amizade e violência de forma perspicaz, elenco afinado e belas tomadas de Paris, essa é aquela típica produção que faz com que o público saia do cinema de alma lavada.

Ficha técnica:

Direção: Christian Carion
Distribuição: California Filmes
Exibição: Cineart Ponteio, sessão às 19h15
Duração: 1h31
Classificação: 12 anos
País: França
Gênero: drama

"Ursinho Pooh: Sangue e Mel" é um terror bizarro ruim, com enredo esquecível

Matança e torturas predominam na versão macabra dirigida por Rhys Frake-Waterfield (Fotos: Jagged Edge Productions)

Marcos Tadeu
Blog Narrativa Cinematográfica

Um terror sanguinário, completamente oposto às histórias fofinhas do famoso ursinho amarelo que gosta de um pote de mel e seus simpáticos amigos. A partir desta quinta-feira (10) estreia nos cinemas "Ursinho Pooh: Sangue e Mel" ("Winnie-The-Pooh: Blood and Honey"), um longa macabro do gênero slasher com muita violência, mas com enredo esquecível.

A obra apresenta a relação de Christopher Robin (Nikolai Leon), que foi para a faculdade e esqueceu seus animais de infância - Pooh (Craig David Dowsett) e Leitão (Chris Cordell). 

Se sentindo traídos e abandonados, eles perdem suas personalidades amigáveis e se tornam selvagens e violentos, atacando e matando quem entrar em sua floresta. 

O roteiro é ruim, com desenvolvimento preguiçoso e não aprofunda na relação do passado entre Christopher, Pooh e Leitão. O diretor Rhys Frake-Waterfield pouco se preocupa em mostrar os vilões em alguma situação difícil em que eles podem se dar mal. Quando acontece, a dupla consegue se recuperar e continua a matança. 

Nenhuma atuação do elenco consegue convencer. As máscaras borrachudas e os poucos diálogos pioram a situação, fazendo com que os personagens se tornem descartáveis - se forem mudados por qualquer outro, não fará a menor diferença. 

Se a intenção do diretor era vender a ideia de que tudo o que acontece no filme faz parte da fantasia de Christopher, essas máscaras de borracha e os trajes só tornam mais difícil gostar do longa.

"Ursinho Pooh: Sangue e Mel" é só um terror genérico que não entretém e pode desagradar até mesmo quem gosta deste tipo de filme. Para piorar, está confirmada uma continuação e a possibilidade de que outros clássicos como Bambi e Peter Pan, também possam receber versões macabras.

Onde perdemos Pooh?

Em 1920, o escritor Alan Alexander Milne (A. A. Milne) criou o adorado ursinho de pelúcia Winnie-The-Pooh e seus amigos, incluindo Christopher Robin (nome do filho de Milne), que se tornaram famosos por meio das produções da Disney. 

Durante anos, a empresa manteve os direitos autorais da coleção, até que em 2022, o primeiro livro de Pooh entrou em domínio público em outros países. No Brasil isso só ocorrerá em 2027. 

A partir daí, qualquer pessoa poderia usar, distribuir e adaptar a história sem a necessidade de permissão ou pagamento de royalties. Rhys Frake-Waterfield decidiu usar os personagens Pooh e Leitão em suas versões mais macabras que pouco se assemelham à beleza dos clássicos personagens. E promete outras produções bizarras para adultos com personagens infantis.

Mesmo com orçamento baixo (em torno de US$ 100 mil), tendo sido gravado em dez dias e entregando uma qualidade duvidosa, "Ursinho Pooh: Sangue e Mel", lançado em fevereiro deste ano em outros países como México e Estados Unidos, atingiu uma bilheteria alta. Como aconteceu com “Terrifier 2”. Prova que o slasher, mesmo ruim, ainda consegue ser lucrativo. 

Ficha técnica:
Direção e roteiro: Rhys Frake-Waterfield
Produção: Jagged Edge Productions e ITN Films
Distribuição: California Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h24
Classificação: 18 anos
País: Reino Unido
Gênero: terror

“A Baleia” - A tristeza e a beleza sob a interpretação de Brendan Fraser

Filme dirigido por Darren Aronofsky concorre a três estatuetas do Oscar 2023, incluindo o de Melhor Ator (Fotos: Califórnia Filmes) 

Wallace Graciano

Culpa é um dos fardos mais torturantes que carregamos em nossa vida. Seja qual for o motivo que causa tamanho desconforto, ela está presente em nossa vida e muitos não sabem como lidar. E é justamente esse o ponto que norteia “A Baleia” ("The Whale", no título original), que estreia nesta quinta-feira (23) nos cinemas de todo o país. 

Com uma interpretação magnífica de Brendan Fraser, o filme de Darren Aronofsky ("Mãe" - 2017), que é adaptado de uma peça homônima, não cativa e destoa na parte estética, mas tem personagens intensos, que tiram seu ar.

Não à toa, garantiu três indicações ao Oscar (Melhor Ator, Melhor Atriz Coadjuvante e Melhor Cabelo e Maquiagem), chegando com grande potencial de conquista nas três. Abaixo, mostraremos o porquê, além de contar nossas impressões sobre o filme. 

Qual é a história de “A Baleia”?

“A Baleia” conta a história de Charlie (Brendan Fraser), um professor de redação que enfrenta uma obesidade mórbida. De uma inteligência afiada, ele tem percepção exata de como o mundo o encara, com preconceitos e escárnio. 

Não à toa, sequer tem coragem de ligar a câmera de seu notebook enquanto ministra aulas online. Porém, sua condição física esconde traumas do passado. Ele carrega a culpa de ter abandonado sua filha em troca de um amor homossexual, que não conseguiu ir adiante devido a uma tragédia. 

Com esse psicológico frágil, usa a comida como muleta emocional para esconder a dor e a frustração por seus erros, perdas e decepções. Somente a enfermeira Liz (Hong Chau, indicada ao Oscar) o visita, sendo sua amiga e eterna confidente. Ela o vê de forma nua e crua. Sabe do seu passado e presente. 

Após vê-lo ter um princípio de infarto, a profissional da saúde insiste para que ele se interne, o que é prontamente negado por Charlie, que teme contrair uma dívida, devido à ausência de sistema universal de saúde nos Estados Unidos. 

Sabendo que sua vida está nos últimos dias, inclusive sob avaliação da própria Liz, Charlie tenta se reaproximar da filha, Ellie (Sadie Sink, de “Stranger Things”) para tentar redimir os erros do passado. E é nesse contexto que a trama se desenvolve. 

O que achamos de "A Baleia"?

Por ser baseado em uma peça (escrita por Samuel D. Hunter, que também é o roteirista do longa), trata-se de uma obra que não tem muitos ambientes ao seu redor. Basicamente, toda a construção da trama se dá em um cenário: a casa de Charlie. 

Para alguns espectadores, pode ser sufocante, mas o filme, assim, consegue colocar uma lupa na culpa e dor do protagonista. Ele é lento, pois foca demais nas camadas de Charlie, além de desenvolver os personagens sem muita celeridade. 

Porém, o que o faz cativante ao público é justamente essa condução que nos tira do conforto, intercalando as condições físicas precárias do personagem com suas relações pessoais tão deturpadas quanto.

E Brendan Fraser faz isso com maestria. Se outrora foi um ator considerado galã, principalmente após sua atuação em “A Múmia” (1999), agora consegue nos envolver com cada ato, fazendo com que uma simples queda por mobilidade reduzida traga um contexto peculiar. 

Ainda que os diálogos com Liz, Ellie e o missionário Thomas (Ty Simokins) não tenham o ritmo acelerado que muitos gostam, eles nos prende por apresentar todas as nuances que cercam o protagonista e seus traumas. 

Ou seja, vá ao cinema focando nas atuações dos personagens e no que elas podem nos trazer. Essas interpretações fazem com que a estética, enredo e trilha virem meros detalhes na trama.

Quais são as indicações ao Oscar de “A Baleia”?

Melhor Ator: Brendan Fraser;

Melhor Atriz Coadjuvante: Hong Chau;

Melhor Cabelo e Maquiagem

Ficha técnica:

Direção: Darren Aronofsky
Roteirista e autor da obra: Samuel D. Hunter
Produção: A24 e Protozoa Pictures
Distribuição: Califórnia Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração:1h57
Classificação: 16 anos
País: EUA
Gênero: drama
Nota: 4,5 (5)

Óbvio e raso, a comédia francesa “Entre Rosas” diverte, enternece, mas não chega a convencer

O charme do longa é que as flores do título são os personagens principais com sua beleza, perfume e simbologia (Fotos: Califórnia Filmes/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Que ninguém espere profundidade, aventura ou ação no filme “Entre Rosas” (“La Fine Fleur”), comédia francesa dirigida por Pierre Pinaud (“Fale de Você” - 2021). O longa, que entra em cartaz nesta quinta-feira (1º), é dessas produções rasas, descompromissadas, cujo único objetivo parece ser enternecer o público diante de uma surrada disputa entre o industrial e o artesanal, a busca do lucro e a paixão pelo ofício, as grandes corporações e os pequenos negócios. 

O charme do longa é que as rosas são os personagens principais, com tudo o que elas trazem em termos de cores, beleza, perfume e simbologia.

Eve Vernet (Catherine Frot, de “Marguerite” - 2015 e “Quem Ama Me Segue” - 2018) é dona da Rosas Vernet, pequena propriedade de cultivo de rosas na área rural da França e está à beira da falência. Ela e sua ajudante Véra (Olivia Côte) resistem como podem às investidas de Lamarzelle (Vincent Dedienne), proprietário de poderosa empresa concorrente que quer comprar o pequeno roseiral de Eve.

O que anima o filme – de certa forma – é a chegada de três personagens, uma jovem, um jovem e um homem maduro, que surgem para ajudar Eve a salvar sua empresa: Nadège (Marie Petiot), Fred (Melan Omerta) e Samir (Fatsah Bouyahmed). A surpresa é que os três são ex-presidiários e estão em processo de ressocialização. A partir daí, vale tudo, até a ideia de que os fins justificam os meios.

Embora óbvio – antes da metade do longa o público já imagina o que vai acontecer – “Entre Rosas” traz alguma novidade como por exemplo, a pequena aula de Eve ensinando seus novos auxiliares como fazer enxertos para obter uma rosa híbrida e rara, um processo minucioso e desconhecido do grande público. 

O espectador vai aprender também que rosas não são simplesmente cultivadas. Num mundo de concorrências e campeonatos, elas podem também ser criadas e, para isso, é preciso talento, conhecimento e paciência, atributos que ela herdou do pai.

Como a maioria dos filmes franceses, o longa de Pierre Pinaud – que escreveu também o roteiro junto com Fadette Drouard – é marcado por ótimas interpretações naturalistas, alguns silêncios, excelente trilha sonora, vinhos e até cachimbos para enfatizar pausas e reflexões. Destaque também pela fotografia, que não poupa cores, formatos e texturas das flores.

Óbvio também parece ser o processo de ressocialização dos três ex-presidiários na tentativa de recuperação do roseiral. A quase moral da história enaltece a transformação das pessoas pela delicadeza, dedicação e, por que não dizer, beleza. Talvez até coubesse dizer que “Entre Rosas” é ruim, mas é bom. Afinal, estamos falando de rosas.

Ficha técnica:
Direção: Pierre Pinaud
Distribuição: Califórnia Filmes
Exibição: nos cinemas
Duração: 1h35
Classificação: 12 anos
País: França
Gêneros: comédia, drama

"Mar de Dentro" mostra a maternidade nada edulcorada

Mônica Iozzi interpreta a personagem principal que vive a situação de uma gravidez não planejada (Fotos: California Filmes/Divulgação)

Patrícia Nunes Coelho

Logo na primeira parte do filme, Manu (Mônica Iozzi) comenta com o namorado, Beto (Rafael Losso), o motivo de não nutrir muito apreço pelo mar: em sua infância, ela viveu um episódio que lhe deixou traumas profundos. Provavelmente daí o título do longa - "Mar de Dentro" - dirigido por Dainara Toffoli (nome por trás da excelente série "Manhãs de Setembro", da Amazon Prime Vídeo) e distribuído pela Califórnia Filmes. 

O mar que a personagem de Iozzi vai ter que enfrentar não é o real, mas igualmente assustador. Mas antes de seguir em frente, um parênteses. O filme, que estreia em breve em BH, (embora já tenha sido exibido em festivais, como a 44ª edição da Mostra Internacional de Cinema) parte de uma situação muito particular (a perda do parceiro em plena gestação) para falar da maternidade sem o viés do romantismo que muitas vezes está atrelado ao tema. 

É fato: ainda hoje, apesar da vasta bibliografia sobre o tema - nomes como Brooke Shields já escreveram sobre o outro lado da maternidade -, muitos ainda edulcoram essa dita missão atribuída às mulheres. No caso, além da perda, Manu tem que lidar com uma série de situações inesperadas - lembrando que a gravidez não foi planejada. 

Quem já viveu a maternidade por meio de lentes reais certamente vai se identificar com as situações mostradas: problemas na gravidez que exigem o afastamento do trabalho, o medo de outro profissional se sobressair neste período e tomar o seu lugar, o parto nada idílico, o corpo que não se recupera, o pouco tempo para se preocupar com a aparência, o leite que empedra, as intromissões indesejadas daqueles que acreditam ter resposta para tudo, como fica o desejo sexual... Até a volta ao trabalho é abordada na obra, em um veio bem realístico: no retorno, muita coisa mudou. É certeiro.

No caso, no filme, como já dito, Manu vive um luto. Não tivesse ocorrido a morte súbita, provavelmente o parceiro, entusiasmado que estava em ser pai, lhe daria total amparo, mesmo que a relação a dois não vingasse. 

Com a perda dele, ela até tem uma rede de apoio, ainda que tímida, formada pela irmã e, mais tarde, por duas profissionais contratadas (uma delas, também mãe de uma criança pequena). Mas basta ter os olhos abertos ao mundo para saber que não poucas mulheres no país enfrentam a maternidade solo em condições ainda piores. Muito, muito piores. 

Em uma entrevista concedida ao canal Cine Resenhas, no bojo do lançamento, Mônica Iozzi lembrou que o filme se alinha a outras produções recentes, como "A Filha Perdida", de Maggie Gyllenhaal, baseada na obra homônima de Elena Ferrante, e de "Mães Paralelas", de Pedro Almodóvar. Fato, o tema está pulsante, e ele também começa a ser abordado na terceira temporada de "My Brilliant Friend" (HBO Max), em curso, apenas para citar mais um exemplo.

Além do roteiro, um ponto muito positivo para "Mar de Dentro" é a interpretação de Monica Iozzi, que se dá na justa medida. A atriz, que já se desvinculou totalmente de seu período "CQC" (e olha que, à época, algumas pessoas julgaram temerária a sua decisão de deixar o programa), consegue imprimir veracidade à personagem expressando, por meio de gestos sutis e de olhares profundos, a dor, as incertezas e angústia de Manu. 

O elenco de apoio também merece loas, com nomes de primeira linha, como ZeCarlos Machado, Magali Biff, Gilda Nomacce (da série "TodXs" ou Fabiana Gugli (atriz preferida de Gerald Thomas), dando perfeitamente o seu recado mesmo em papéis, entre aspas, "menores". 

Difícil saber se a produção vai agradar em cheio ao público masculino - aos que tentam exercer a empatia a este momento tão único da vida da mulher, certamente, sim. Mas, ao expressar a vida nada edulcorada da mãe solo, não há dúvidas que fala também por um contingente cada vez menos invisível no cinema.

Ficha técnica:

Direção: Dainara Toffoli
Produção: Elástica Filmes e Muiraquitã Filmes
Distribuição: Califórnia Filmes
Exibição: em breve nos cinemas de BH
Duração: 1h30
Classificação: 14 anos
País: Brasil
Gênero: drama

Misterioso e instigante, “Convidado de Honra” confunde, desorganiza e atiça o espectador

Estrelado por David Thewlis, sob a direção de Atom Egoyan, longa está disponível apenas nas plataformas digitais (Fotos: Califórnia Filmes/Divulgação)

Mirtes Helena Scalioni

Há quem chame de “filme de festival” produções mais fechadas, intimistas, questionadoras e normalmente contadas em flashbacks – uma ferramenta que alguns diretores têm usado muito na tentativa de valorizar a obra. Se isso for verdade, pode-se chamar assim a mais recente direção de Atom Egoyan, responsável também pelo roteiro de “Convidado de Honra” ("Guest of Honour").

O longa está disponível para aluguel, compra ou assinatura apenas nas plataformas digitais Claro Now, Amazon Prime Video, iTunes /Apple Tv, Google Play, YouTube Filmes e Vivo Play. E tem tudo para agradar principalmente os cinéfilos de carteirinha. Não por acaso, foi apresentado ao mundo no Festival de Veneza de 2019.

Misterioso do começo ao fim, o filme fala da relação tumultuada e cheia de equívocos e culpas entre Jim (David Thewlis, de "Liga da Justiça - Snyder Cut" - 2021,  "Mulher Maravilha" - 2017 e "A Teoria de Tudo" - 2015 ) e sua filha Verônica (a atriz canadense-brasileira Laysla de Oliveira). 

Solitário e exigente inspetor de alimentos, Jim faz de tudo para tirar a jovem filha da prisão, pois todos sabem que ela é inocente, embora acusada de abuso sexual. Porém, há um grande problema: ela não quer sair da cadeia porque quer expiar outras culpas.

“Convidado de Honra” começa com uma conversa entre Verônica e o padre Greg (Luke Wilson, de "Zumbilândia - Atire Duas Vezes" - 2019), com o objetivo de preparar o funeral de Jim. Sabe-se, portanto, desde o início, que ele está morto. A partir daí, muitas idas e vindas e infinitos flashbacks vão revelando ao espectador partes da vida dos dois. Ele, fiscal de restaurante; ela, professora de música de adolescentes.

Embora cheio de mistérios e repleto de dúvidas – talvez exatamente por isso – o filme acaba por criar um certo suspense, mesmo que, por vezes, desorganize o raciocínio do público. A cena em que o espectador descobre, por fim, por que o título do longa é “Convidado de Honra” é, ao mesmo tempo, impagável, inteligente e sutil.

Enfim, é preciso dizer que David Thewlis carrega o filme nas costas, com uma atuação cheia de nuances que ajudam a confundir ainda mais o espectador. Impossível ficar indiferente depois de ver “Convidado de Honra”, por mais estranho que a produção possa parecer.

Ficha técnica:

Direção: Atom Egoyan
Exibição: Plataformas digitais Claro Now, Amazon Prime Video, iTunes /Apple Tv, Google Play, YouTube Filmes e Vivo Play
Duração: 1h45
Classificação: 14 anos
País: Canadá
Gênero: drama